VITROFUSIÓN EN JOYERÍA

La vitrofusión es una técnica muy difundida en la fabricación de bijouterié, pero poco explotada en joyería en virtud de que se cree erróneamente que el vidrio no tiene el valor de una piedra.

Esta concepción errónea proviene de creer que lo único que se puede hacer en vitrofusión  es un vidrio coloreado con un poco de esmalte y un alambre para colgar o adherido con un poco de silicona a una estructura de latón (algo de cierto hay porque es lo que más comúnmente se ve),  sin duda que si se reduce a esto la vitrofusión jamás alcanzará los escaparates de las grandes joyerías. Recién en los últimos años empezó un cierto auge del murano con una profusión de diseños que comenzó a alentar el uso en combinación con acero quirúrgico, pero a pesar de ello hay muchísima repetición de motivos del vidrio que por allí termina cansando a la vista, tal es el caso de las florcitas.

Este post intenta reivindicar la técnica y mostrar que se pueden hacer joyas finas y de alto valor, dignas de una vidriera, como la que se exhibe en la portada de este post, es un anillo importante para fiesta con vitrofusión dicroica inspirado en una máscara veneciana.

Hay muchas posibilidades con la vitrofusión, todo pasa por conocimiento y creatividad, las piezas de vidrio las podemos comprar ya hechas y luego a partir de ellas crear la joya o bien crear un diseño y luego hacer nosotros mismos la vitrofusión acorde al diseño, como hice yo con el anillo que se muestra arriba.

MATERIALES:
En cuanto a los materiales, el material base que se usa es el vidrio común de ventana plano  (Float) de 3-4mm que se combina con otros elementos que se detallan a continuación:

a) Vidrio de color Flosing o Easy Fuse:
Estos vidrios son importados y permiten dar color mas puro e intenso a la vitrofusión, se usan trocitos por lo que una plancha puede producir grandes cantidades de piezas. La única restricción que existe es que los vidrios a fundir tengan el mismo coeficiente de dilatación a efectos de evitar tensiones y fisuras en las piezas terminadas.

b) Vidrios dicroicos:
Los vidrios dicroicos permiten dar profundidad a una pieza por incidencia de la luz, vienen lisos tornasolados o tienen impresos patrones de figuras estampadas con muchísimos tonos de brillo metálico tornasolado, como se muestra en la fotografía siguiente:

c) Fritas, mostacillas, escamas, thor, mica e hilos de de vidrio:

Estos productos forman una familia muy grande de accesorios que permiten crear texturas. Todos se pueden usar ya sea en sandwich de float o como cobertura, a excepción de la mica que siempre va en sandwich.

Los hilos de vidrio se usan para crear líneas rectas o curvas bien definidas. Hacer curvas con estos hilos es muy fácil, solo es necesario una llama de una vela para calentar y darles forma.

El Thor es un polvo de vidrio con brillos metálicos y puede usarse para obtener efectos de textura metálica.

Las mostacillas combinan perfectamente con una variedad de coloridos, son las que se usa en bordados pero debe tenerse la precaución de elegir las que son de vidrio (digo esto porque en las mercerías también existen unas de acrílico). Se pueden usar solas para hacer puntos de colores, o agrupadas para hacer una mancha de color.

Las escamas son planchas finas de vidrio de color.

Las fritas son granos de vidrio de color, vienen de distintas granulometrías.

La mica, son escamas que permite dar tonos metálicos y genera grandes burbujas, siempre se usa en sandwich de vidrio transparente float.
 

En la fotografía anterior se puede observar de izquierda a derecha, en la parte superior fritas de color violeta, azul y verde en tres granulometrías distintas, en la parte central se ven mostacillas de color rojo y verde y finalmente a la derecha los hilos d evidrio. En la parte inferior a la izquierda se ve un polvo thor turquesa, escamas de vidrio naranja y unas planchas de mica.

d) Hilos y planchas de metal:
Se pueden incluir siempre entre sandwich de float, alambres finos de cobre, bronce o alpaca. De igual modo se pueden incluir figuras de planchas de bronce o cobre muy finas 0,3 mm de espesor como las que se muestran a continuación :

e) Óxidos y esmaltes:

Se pueden incluir tanto en sandwich de float como cobertura.

Los oxidos se utilizan agregándoles un fundente ya que por si solos no vitrifican.
Los esmaltes son formulaciones que incluyen óxidos, fundente y pigmentos. Se usan solos ya que vitrifican.

Para la colocación de estos polvos, se deben mezclar con agua destilada haciendo una pintura, con la que se pinta ponceando con la punta de un  pincel de cerda suave. Luego se debe dejar secar y recién tapar con el vidrio de cobertura si se optara por el sandwich.

TÉCNICA DE VITROFUSIÓN:
Se denomina vitrofusión a un conjunto de técnicas que permiten obtener objetos de vidrio por superposición de varios vidrios  fundidos bajo un programa de temperaturas en un horno.

El programa de temperaturas es un perfil por el cual se eleva la tempertaura del vidrio progresivamente manteniendo descansos a efectos de no destruir el vidrio especialmente en los llamados puntos críticos hasta fundir el vidrio obteniendo una masa semilíquida, el programa se completa con el enfriado que debe ser suave a efectos de evitar tensiones, ya que puede fisurarse la pieza fundida. Estos programas según sea la técnica pueden tardar varias horas. El tratamiento térmico puede elevar la temperatura en el rango 800-900ºC, según la temperatura alcanzada por el programa se obtendrán bordes planos o redondeados.

La técnica de la vitrofusión para joyería no es cara de implementar, se puede comprar un hornito chiquito especial para joyería a precios muy accesibles o bien preparar una colección de piezas y alquilar una horneada en algún servicio de alquiler de horno.

Los vidrios se pegan en frío con un adhesivo vinílico (puede ser uno especial que venden o simplemente la cola vinílica que usan los chicos en la escuela para pegar papeles) para armar la estructura a hornear, aquí la prolijidad para el pegado es un factor esencial para que la pieza una vez horneada tenga belleza. No se debe poner mucho pegamento, tan solo una gotita colocada con la punta de un escarbadientes en los lugares estrégicos es suficiente para mantener pegados los vidrios. Una vez armadas las piezas deben ser puestas a secar unas horas antes de llevar al horno.

Las piezas ya armadas se depositan sobre un molde de bizcocho cerámico o en una placa plana y hasta se puede utilizar el piso del horno. Sea el molde que se elija debe estar  recubierto de caolín en polvo esparcido finamente con un tamíz a efectos de que no se peguen las piezas y a la a vez que no se vea afectada la textura de las superficies.

Es importante que los moldes no tengan detalles hacia adentro que puedan atrapar al vidrio y al desmoldar se rompa la pieza.

Para usar esta técnica en joyería básicamente hay dos grandes modalidades generales (aclaro al lector que no son las únicas, hablo de las mas usadas):

1. Hacer un sandwich con dos vidrios float de 3mm (uno de base y otro de cobertura) y en el medio colocar vidrios de colores, vidrios dicroicos, esmaltes o materiales extraños como mica, metales como el cobre etc.
2. Poner una base de float de 4mm y sobre ella hacer una cobertura con materiales vítreos que otorgen color y textura a la superficie.

A continuación muestro las técnicas que utilicé en mi incursón por la vitrofusión, para producir algunas piezas que están en espera de un buen diseño:


VITROFUSIÓN DICROICA:

El vidrio dicroico tiene la propiedad de variar el color que se refleja dependiendo de como sea el ángulo de incidencia de la luz sobre el vidrio, dando la impresión de profundidad como se ve en el anillo de la portada.

A continuación muestro algunas piezas hechas con esta técnica, en todos los casos se usaron trocitos de vidrio dicroico entre sandwich de float, lamentablemente la fotografía no muestra la belleza de la realidad, pero a efectos de ilustrar el concepto sirve:

VITROFUSIÓN CON ESMALTES:

Los esmaltes permiten poner colores lisos o con burbujas, dando la posibilidad de diseños complejos como los que se muestra en las imágenes siguientes.

En la  fotografía siguiente se ve un juego de piezas todas con un mismo motivo simple para  pulsera, dije, anillo y aros, aqui se usaron colores lisos y un marrón con efecto de burbuja:      

En la fotografía siguiente se muestran diseños mas complejos:

En los trabajos siguientes se utilizaron los esmaltes para producir pequeños cuadros, el de la derecha es un pisaje de un lago:

Los siguientes también se hicieron del mismo modo:

VITROFUSIÓN CON TEXTURAS:
Para lograr texturas la técnica es sobre un vidrio de 4mm de espesor colocar materiales vítreos que puedan fundirse.

En la fotografía anterior se ve en la parte superior de izquierda a derecha el primero una composición con mostacillas en grupo de manchas con varios colores, el segundo es un cuadro que en el medio tiene un sandwich con esmalte y el marco está hecho con trocitos de vidrio float y esmalte negro entre cada uno para dar apariencia de craquelado. El tercero está hecho con fritas rojas,verdes y azul y mostacilla, el anillo de la derecha con mostacilas e hilos. Las piezas de la parte inferior son para una pulsera y dije, la pulsera de la izquierda esta hecha con hilos de colores y curvada con molde de bischocho cerámico cilíndrico para que tome la forma de la muñeca. El dije de la derecha tiene fritas blancas y mostacillas.

La fotografía anterior muestra dos juegos preparados para una gargantilla con aros a la izquierda , tiene fritas, escamas naranjas e hilos de vidrio curvados a la llama de una vela. A la derecha solo con mostacillas.

VITROFUSIÓN CON INTRUSIONES:

Para hacer intrusiones como las que se muestran en la fotografía siguiente se seleccionaron diversos materiales que fueron incluidos en sandwich de float.

Enla fotografía anterior de izquierda a derecha se ve una pieza con intrusiones de alambre de cobre, lámina de bronce, fritas e hilos. Los tres siguientes tienen alambre de alpaca, hilos y mostacillas. En la línea de abajo el primero tiene vidrios flosing, el segunto tiene una figura de un pez en chapa de cobre, los otros dos tienen chapa y alambres combinados con hilos y mostacilla.

En la fotografía anterior se ven piezas con mica como intrusión, estas piezas tienen grandes burbujas generadas por la mica.

VITROFUSIÓN CON MURANO:

Las piezas siguientes las compré durante mi visita a Venecia, donde hay tantos escapartes con las piezas mas increibles, se puede ver que son muy bellas y diferentes a lo que se ve habitualmente. El día que mi imaginación genere un buen diseño se convrtirán en finas joyas.

Las piezas siguientes son las clásicas florcitas, que exigen un mayor esfuerzo de creatividad a efectos de lograr una pieza original, hay que tratar de enmascarar la pieza para que el diseño sea mas atractivo:

Las cuentas siguientes son de singular belleza y pueden ir en cualquier diseño:

VITROFUSIÓN PARA GEMAS:
También se pueden hacer gemas cortando trocitos de vidrios de colores, colocándolos en una placa cerámica lisa y aplicando un programa de temperatura para bordes redondeados.

 Con este post he pretendido mostrar sólo una pequeñisima parte de las múltiples posibilidades que tiene la vitrofusión en la joyería y animar al lector a abandonar la creencia que vitrofusión es solo vidrio y esmalte.

TÉCNICAS DECORATIVAS EN EL ESMALTADO

El esmaltado es una técnica que va mas allá de simplemente dar colorido a los metales para embellecer a una joya. El esmaltador puede usar la creatividad aplicando otras técnicas conocidas en el mundo del arte para dar valor agregado al diseño, es decir que se pueden trasladar las técnicas de pintura decorativa al esmalte. Desde el dibujo al craquelado pueden ser técnicas utilizadas y porque no el collage donde logramos una composición a partir de otros elementos extraños y eclécticos.

En el presente post intento ilustrar esta idea y brindar algunas técnicas ya reconocidas, ejemplificando las múltiples posibilidades que tiene el esmaltador de dar rienda suelta a su creatividad. Muchas de las técnicas que aquí expongo están en la bibliografía, solo que aquí doy mi visión particular sobre el tema.

GRAFITADO:

Esta técnica está publicada en el sitio www.linealibre.com.ar , es muy sencilla y consiste en dibujar con un lápiz de grafito sobre una base esmaltada y esmerilada con una piedra de carborundum. El esmerilado se realiza para abrir los poros del esmalte de la base y permitir que el grafito entre. Terminado el dibujo se calienta de nuevo muy rápidamente y por un pequeño tiempo pues si nos detenemos el dibujo se volverá borroso y perderá belleza. El trabajo queda satinado.

En la fotografía siguiente se puede apreciar un paisaje japonés hecho en una chapa con esmalte color manteca sobre una base blanca gastada, esta chapa servirá para un dije ya que tiene 2,7 cm x 1,8cm, en la fotografía está magnificado al doble, por lo que en el tamaño real queda perfectamente definido:

MOVIDO:

Consiste en colocar esmaltes de diversos colores en una chapa a la que se le dió una base uniforme, luego se debe calentar la pieza con el soplete desde abajo hasta llegar al punto de fusión obteniendo un color naranja (850ºC aproximadamente) y con una púa de acero inoxidable mover el esmalte en caliente. Para esto me fabriqué una herramienta muy simple que consiste en una aguja de coser lanas (esas que tienen la punta curva) y la introduje en una maderita a modo de mango, que permite proteger los dedos cuando el metal se calienta por transmisión del calor del esmalte al acero.

En la figura siguiente se puede ver una pieza que preparé con esta técnica sobre una chapa de cobre como parte de una pulsera:

CRAQUELADO:

La técnica de craquelado se logra con unos esmaltes esmaltes especiales llamados "esmaltes de baño" que tienen la propiedad de romperse durante el calentamiento permitiendo ver una base esmaltada de color contrastante abajo.

Para esta técnica hay que preparar una base con colores contrastantes de menor punto de fusión que el esmalte de la cobertura, de modo que al calentarse se mueva rompiendo el esmalte de arriba. Para ello hay que preparar la base y enfriar, luego aplicar el esmalte de baño y volver a calentar para producir el craquelado.

En la foto siguiente se ve una chapa craquelada con un fondo en amarillo, rojo, naranja y manteca, mientras que la cobertura es un esmalte de baño marrón. El tamaño del dije es de 3,5cm x 1,3cm.

 

El siguiente dije es una cruz con fondo blanco, negro y marrón, con una cobertura de baño roja:

PINTURA:

Convertir una chapa de cobre en un cuadro miniatura, es ir mas allá del esmalte, fue en Limoges (Francia) donde esta técnica alcanzó su perfección.
En realidad la técnica es muy simple, solo se trata de convertir al esmalte en una pasta parecida al óleo y usar esta pintura para pintar con pinceles una base de chapa de cobre con una superficie esmaltada, si el lector desea ver detalles de esta técnica puede leer el artículo  pintura con esmalte sobre metal en este mismo blog.

Lo tradiconal es que la base sea oscura (azul o negra) y sobre ella con colores claros ir haciendo el mini-cuadro por superposición de colores claros, pero esto no debe ser un límite para la creatividad del orfebre que rompe con todas las reglas y los resultados son los siguientes:

En la fotografía siguiente se puede ver una chapa preparada para un dije juvenil de 2cm x 1cm con un motivo floral clásico, su realización es simple, se pintó sobre una base blanca de tres capas de esmalte:
 

El siguiente trabajo es una innovación que hice de la técnica a partir de mis conocimientos de pintura, en realidad es un mini-cuadro con un motivo moderno donde los colores no se pintaron con pinceles, sino que fueron colocados con una espátula de pintor, los colores que quedaron muy definidos como el azul, negro y bordó los coloqué primero, luego cociné con el soplete y una vez fria la pieza, retoqué los bordes con una piedra de carborundum, finalmente coloqué el resto de los colores con la espátula como si se tratara de un falso champlevé, eso permitió que queden los bordes de los colores bien definidos. Los degradé los logré esfumando con un pincel seco e invadiendo la frontera de los colores.

La pieza es bellísima, lamentablemente es difícil con las fotografías reflejar la realidad. Este es el resultado de mis conocimientos de pintura al óleo con espátula llevados al esmaltado a fuego:

El siguiente camafeo es un clásico, representa a una mujer inglesa, lo original que tiene es que está pintado sobre una base blanca y no oscura, por otra parte el diseño es asimétrico:

FILAMENTOS:

Aprendí esta técnica leyendo un artículo de Hugo Osterman publicado en la revista CERÁMICA Nº22 en la página 11 (Bs.As.). Hugo lo enseñó para horno usando crisoles. Yo adapté el método para hacerlo con soplete. Un día de estos escribiré un post exclusivo para mostrar con fotos como lo hago.

Consiste en fundir un poco de esmalte en una chapa convada a modo de cuenco y luego sin retirar el soplete debajo del cuenco y con el esmalte en estado de fusión, pellizcar el esmalte con una pinza tipo bruselas y levantarlo en el aire formando un hilo. El grosor de los hilos dependerá de la velocidad de levantado y la temperatura del esmalte. A medida que el esmalte sube se enfría y queda el filamento.

Los filamentos pueden romperse con la mano, es importante colocarse una protección en los ojos pues al romper los hilos puede saltar algún pedacito y dañar la vista. Los trozos se pueden pegar a una base previamente esmaltada o a un paillón con C.M.C. (pegamento carboxi-metil-celulosa).
Los filamentos formados pueden ser usados para dar textura a las superficies o para trazar líneas rectas en un diseño, como se puede ver en la fotografía siguiente, es un diseño moderno para un anillo:

INTRUSIONES DE VIDRIO:

Las intrusiones permiten hacer un collage con el esmalte, incorporando todo tipo de elementos que resistan el calor, mostacillas, trozos de vidrio, metales, granallas y filamentos de esmaltes, etc.
Las mostacillas y otros fragmentos de vidrio pueden ser incorporados a una base esmaltada, simplemente calentando la pieza, el resultado se puede observar en el dije siguiente donde se combina una chapa esmaltada que contiene mostacillas verdes, turquesas y ambar, con unas placas de ébano talladas en un diseño juvenil e informal:

INTRUSIONES METÁLICAS:

De igual modo se pueden incorporar al diseño piezas metálicas pequeñas, la técnica es la misma, se calienta y se incorporan las piezas. El único requisito es que las piezas estén perfectamente limpias, libres de grasa y de óxido.

En la fotografía siguiente se muestra un dije que tiene una chapa esmaltada con piezas de un viejo reloj incrustadas en el esmalte:

 

Como conclusión podemos ver que para decorar un esmalte es solo cuestión de imaginación, ya que es una técnica versátil que admite todo tipo de diseño y que con toda comodidad se pueden trasladar todos los conocimientos de pintura decorativa. 

PINTURA CON ESMALTE SOBRE METAL

 

La pintura con esmalte sobre metal es una técnica que permite obtener un cuadro esmaltado como el que se expone en la fotografía de la izquierda, en la que se puede apreciar un pequeño camafeo con la figura de una mujer inglesa con todos sus detalles, como ser la sombra del ala del sombrero, la sombra del medallón del collar etc.

Sin duda que esta técnica requiere algo mas que saber esmaltar, pues trasciende los límites del esmalte, fusionando dos artes: el de la pintura y el esmaltado, por lo que queda limitada a aquellos que son capaces de pintar o de copiar cuadros, pues son necesarios conocimientos básicos de dibujo y pintura, tales como perspectiva, escala cromática, luces,  etc. Por lo que aquellos que deseen intentar realizar esta técnica y que no sepan pintar cuadros, tendrán que tomar algunas lecciones previas de pintura.

 

Los materiales que se necesitan son muy pocos: pinceles de cerda fina (marta o camello), esmaltes  y aceite de sándalo (que se puede comprar en las casas que venden sahumerios)

 

El secreto de la pintura con esmalte está en preparar sobre un vidrio o un plástico una paleta de colores a medida que se necesitan, para ello mezclamos un poquito de esmalte en polvo con unas gotitas de aceite de sándalo y fabricamos una pintura que permita desparramar el esmalte sin que se corra, es decir con una densidad suficiente como para que quede pegado y una viscosidad que permita deslizar el pincel con comodidad. Aconsejo antes de pintar la obra probar los colores en una chapa pues si no nos gusta como queda tendremos problemas para corregir la obra, por otro lado nos permitirá adquirir destreza en el uso del pincel con esmalte.

 

Para pintar el camafeo de la fotografía, realicé la siguiente secuencia de operaciones:

 

1. Pinté el fondo con un esmalte blanco importado dándole 3 capas, esto es importante ya que luego hay que hornear varias veces y el esmalte de la base debe aguantar todo el proceso. Desde luego que cociné el esmalte tres veces (una vez por cada capa).

2. Delineé el camafeo con los colores básicos del sombrero, cara, cabello y vestido, para ello utilicé un pincel muy fino de cerda de camello.

3. Procedí a cocinar el esmalte:

En esto hay que ser muy cuidadoso con la temperatura, apenas se pone naranja hay que retirar el soplete pues si llegamos al rojo el esmalte comienza a ponerse muy líquido y se difunde dentro de los otros colores, no debemos olvidar que aquí no hay nada que limite el corrimiento, como es el caso de las otras técnicas como cloissoné, champlevé, etc.

4. Luego de enfriar la pieza, agregué las sombras del cabello y de la cara y volví a cocinar.

5. De la misma manera agregué la sombra de azul oscuro del ala del sombrero y del vestido y volví a cocinar

6. Luego repitiendo la operación agregué los aros, el collar y el adorno del sobrero

7. Finalmente agregué la sombra gris en el medallón, y las luces del vestido

Como vemos es un trabajo de paciencia, no se puede hacer en una sola horneada, y requiere mucho cuidado por parte del artista, no es mi intención con esto de desanimar al lector, todo lo contrario, confieso que mi primer camafeo fue un desastre por no saber controlar la temperatura, pero me permitió aprender y adquirir experiencia para las siguientes pruebas.

Estimado lector Nada se logra sin esfuerzo así que adelante!!! 

 

  

JOYERÍA CON FÓSILES

 
Los restos de algunos seres vivos como animales o plantas que vivieron miles o millones de años atrás, en ciertas condiciones sirvieron de molde, para que los minerales que se hallaban en contacto sustituyan la materia orgánica y puedan preservar su forma, en algunos casos con sorprendentes detalles. Estas piedras se denominan fósiles.

Existen y he visto muchísimos tipos de fósiles tales como almejas, maderas, frutas, insectos, resinas, dientes de tiburón, colmillos de mamut, dientes de dinosaurios, algas, etc. que pueden servir como material para fabricar una joya.

Muchas veces en joyería se utilizan fósiles sin saber que lo son, tal es el caso del ámbar que es una resina fosilizada, el azabache que es lignito o los estromatolitos que son algas fosilizadas.

A continuación muestro una variedad de fósiles que pueden llegar a ser usados para la fabricación de una joya:

En la fotografía anterior se pueden ver tres ámbares con diferentes intrusiones, cada una de las piezas tiene su bellexa particular, por lo que el diseñador deberá trabajar un buen rato para lograr algo creativo sin que pierdan protagonismo las mismas. La pieza del medio tiene burbujas de aire y unos gusanos atrapados, esta pieza parece naturalmente un paisaje marino.

En la fotografía anterior se pueden observar dos tipos de estromatolitos.

En la fotografía anterior se pueden ver diferentes tipos de amonites.

 

En la fotografía anterior se pueden ver varias piezas de azabache.

En la fotografía anterior se puede observar, arriba una almeja, al medio un insecto fosilizado y a la derecha un trozo de ostra, en la parte de abajo se presentan varios dientes de tiburón en perfecto estado de conservación y en espera de un buen diseño para lucirse.

 
El diseño de la joya será tal, que solo sirva de marco y destaque el fósil, puede ser desde algo muy simple hasta algo elaborado, pero en todos los casos debe resaltar y darle protagonismo al fósil, por lo que recomiendo hacer un diseño a partir del fósil.

Para ilustrar este concepto muestro una joya que hice a partir de un amonite piritizado y cortado al medio, cuando tuve la pieza en mis manos vi que era tan bella y estaba tan bien conservada, que pensé que tenía que hacer honor a los millones de años de historia de su existencia, y en ese momento  fue que decidí hacer un dije recreando a un nautilus, un cefalópodo del que aún sobreviven algunas especies.

A partir de esta idea, primero estudié en los libros de biología cómo eran estos animales, como son los que sobrevivieron e hice varios dibujos, hasta que logré plasmar la idea en una joya que representa con sentido artístico al animal, como se puede observar de la cabeza le salen los tentáculos y en la misma se encuentra un ojo materializado por un zirconio engarzado en un tubo montado sobre una chapa embutida.

Como el fósil era un poco grueso tuve que rebajar la parte mas gruesa desgastando cuidadosamente con un torno de mano y un disco de corte de diamante adecuado, tuve que quitar 7mm. Luego para nivelar el espesor apliqué masilla para artesanos, dejé fraguar y tallé bien la forma rectificando algunos defectos que tenía en los bordes, especialmente en el lugar donde estaba la cabeza del animal que le dí una forma recta (es un defecto normal en los amonites, como puede verse en la fotografía de arriba, donde se muestran algunos sin engarzar).

El dije fue construido íntegramente en plata y básicamente es una cazuela con la forma del fósil bordeada por un ribete labrado a mano, las estrías del ojo se hicieron con un buril y la textura de la superficie de la cabeza con un torno de mano y una fresa muy pequeña de 0,5mm.

Un consejo que puedo darles es, que al momento de trabajar un fósil lo hagan con mucho cuidado ya que son frágiles y un mal manejo puede destruir millones de años de historia, piensen en todo el trabajo que le llevó a la naturaleza lograr que Uds. tengan esa pieza en sus manos.

Por otra parte hay que informarse muy bien del material que constituye el fósil para evitar dañarlo en el manejo, por ejemplo jamás un ámbar se puede pulir como una piedra normal en un motor porque el calor  de la fricción lo destruye, para pulirlo hay que usar un paño suave y mucha paciencia.

TÉCNICA DE ANTORCHADO EN EL ESMALTADO

La técnica de antorchado es una técnica de esmaltado a soplete para piezas que necesitan ser esmaltadas en todas sus caras.

En la fotografía del dije de la derecha se puede ver el farolito que cuelga a la izquierda del mismo, que fue realizado aplicando esta técnica.

Para antorchar lo primero que hay que hacer es pensar de que manera se puede sostener la pieza en el aire, ya que no se puede asentar en la rejilla pues el esmalte se pegaría en ella. El dispositivo es muy simple y dependerá exclusivamente de la forma de la pieza.

Si la pieza es cilíndrica como las que se ven en la parte inferior de la  fotografía siguiente (idénticas a la del farolito del dije pero mas pequeñas), simplemente hay que hacer una L con un alambre, cuidando de doblar la punta un poquito con una pinza para que no escape. 



Piezas esmaltadas listas para ser ensambladas en un dije

En cuanto a la preparación previa de la pieza a esmaltar es el mismo método descripto en el post de Esmaltado a soplete sobre metales, es decir se prepara normalmente.

En la fotografía siguiente se ve de que manera se sostiene en le aire la pieza cilíndrica a esmaltar con una mano mientras se  calienta suavemente con el soplete, observe que la llama del soplete no toca de lleno la pieza sino que la acaricia con movimientos rápidos y sólo llega el calor suficiente para subir la temperatura progresivamente hasta ponerse al rojo vivo, en ese momento se retira la llama y se procede a enfriar lentamente bajo la lámpara, repito se debe mover el soplete permanentemente y jamás dejarlo en un punto fijo pues se quemará el esmalte :

Si la pieza es plana y tiene algún agujerito, se aprovecha en mantenerla colgada por medio de un gancho.

Si la pieza no tiene agujero, no queda otra opción que soldar un alambre que luego se cortará o fabricar una garra con alambre a efectos de sostener la pieza. Si se opta por soldar, hay que tener cuidado de no acercar el soplete a la soldadura pues de lo contrario se corre el riesgo de que se caiga, en principio si no acercamos el soplete no se corre ese riesgo ya que el esmalte se cocina a menor temperatura que la soldadura. Terminada la operación de esmalte simplemente se corta el alambre con una segueta y se liman los restos o rebaba que queden.

Ahora viene lo mas importante: para aplicar el soplete se debe hacer desde lejos e ir acercando y alejando el soplete a la pieza con movimiento permanente del soplete y muy rápido, por todas las caras, la idea es que la lengua del fuego acaricie levemente la pieza a efectos de no quemar el esmalte o que por exceso de calor se haga una bolita y caiga líquido:

El consejo que puedo dar, es que se comience con piezas cilíndricas pequeñas y a medida que se adquiera experiencia se vaya incrementando el grado de dificultad, a mi aprender la mayoría de las técnicas de esmalte me llevó casi dos años, y en cada una de ellas me detuve teniendo que hacer varias piezas de prueba hasta poder dominar las técnicas y hacer las piezas que expongo en este blog, pero esa es justamente una de las virtudes de un artesano. Todo aquel que se precie de artesano debe tener aparte de creatividad y prolijidad, mucho amor y paciencia para su tarea.

PRODUCTOS DEL MAR EN LA JOYERÍA

El mar a lo largo de la historia de la humanidad y en la mayoría de las culturas, a lo largo de siglos, ha brindado muchos productos para la fabricación de objetos y ornamentos de uso personal, dando lugar a bellas joyas, fruto de la creatividad para aprovechar sus atributos naturales.

En realidad los productos ya son bellos naturalmente, sin embargo cuando salen del mar no tienen un buen aspecto, pues su belleza está oculta debajo de capas de salitre, algas e impurezas, por lo tanto requieren primero una buena limpieza, luego un desbaste para llegar al interior y después el pulido es el que logra finalmente poner al descubierto su belleza. A partir de este tratamiento previo se puede considerar que tenemos la materia prima para una joya, y el único combustible para lograrla ahora será nuestra imaginación artística.

A continuación resumo en una apretada síntesis cuáles son los productos del mar de uso común en joyería:

CARACOLES:

Los caracoles pueden ser usados enteros o en piezas cortadas y pulidas. No trataré aquí el uso de los mismos pues ya escribí un post dedicado exclusivamente a ellos. El lector interesado puede ver el enlace El uso de caracoles marinos en la joyería. A continuación se reproducen cuatro obras realizadas con cortes de caracoles:

CORAL ROJO:

El coral rojo fue a lo largo de siglos y hasta la actualidad preciado por su color rojo intenso, considerado símbolo de poder en muchas culturas. Se trabaja como cualquier gema.

En el dije que se muestra a continuación los techos del castillo fueron construidos en coral rojo:

CORAL NEGRO:

El coral negro conocido desde muy antiguo, se presenta en ramas que se pueden utilizar de múltiples formas. Si se desea dar forma a un coral negro se lo puede sumergir en agua caliente o moldear con el vapor de una pava.

A continuación se ve un broche hecho en coral negro, que representa un cisne que se está expulgando las plumas, completan el diseño otros dos productos de mar: una perla cultivada y un trozo de nácar haliotis:

PERLAS:

Es uno de los productos del mar más cotizados en la joyería y es producido por cierto tipo de ostras, su valor depende del color, de la forma y de acuerdo al lugar en el que se encuentren en el molusco, mientras mas rara será mas costosa.

Las perlas son producidas naturalmente como un mecanismo de defensa del animal, cuando un cuerpo extraño, ya sea un grano de arena o un parásito ingresa y se fija dentro de la ostra, en ese caso el animal segrega una sustancia calcárea (el nácar) y lo recubre con capas sucesivas produciendo la iridiscencia característica.

Las perlas se pueden encontrar en distintos lugares de la ostra, pueden estar pegadas a las paredes internas de la concha de la ostra, se llaman perlas de nácar, y las que están libres en el interior del cuerpo llamadas perlas finas o perlas propiamente dichas, que son las más valiosas.

En la fotografía siguiente se muestra un colgante cuyo cuerpo superior tiene perlas de nácar, que fueron cortadas de la concha de la ostra con un sentido artístico, ya que naturalmente presentaban un paisaje:

En la actualidad existen otras perlas llamadas perla de cultivo, que  se producen naturalmente pero las impurezas se introducen artificialmente, es decir se siembra a propósito la impureza para que el animal produzca la perla.

En la fotografía siguiente se observa una perla irregular, que acompaña a un esmaltado raku:

Existen también perlas falsas producidas sintéticamente de apariencia similar a las verdaderas, sin embargo son fácilmente reconocibles debido a su perfección, las verdaderas no son perfectas y cuando se ponen entre los dientes se notan las imperfecciones que le dan una aspereza característica. Sin embargo si se quiere tener certeza de la calidad de una perla hay que acudir a los rayos X.



MADREPERLA:

La concha que recubre el cuerpo de la ostra se llama madreperla, es una superficie de naturaleza caliza llamada nácar y es segregada por el manto del animal, que se encuentra cerca del pie. Los trozos mas gruesos tienen una iridiscencia muy bella.

En el colgante siguiente se observan dos trozos de madreperla acompañando a dos perlas cultivadas:

NÁCAR BLANCO:

Es la sustancia dura y blanca de la que está formada la madreperla, que se forma en el interior de las conchas de algunos moluscos y que produce diversos tonos de colores iridiscentes por descomposición de la luz. De las partes planas de la madreperla se obtienen placas que se pueden utilizar en joyería para producir bellos ornamentos.

A continuación se muestra una pulsera con nácar blanco:

A continuación se observa una pulsera con tonos rosados:

NÁCAR HALIOTIS:

El nácar haliotis es producto del avalón, un molusco que produce un nácar con muchos colores, como se puede apreciar en las obras de las fotografías siguientes.

A continuación se puede ver una pulsera asimétrica con una mariposa cuyas alas fueron hechas con nácar haliotis:

A continuación se ve un anillo que combina onix negro, ágata roja y nácar haliotis: