DISEÑOS CONTEMPORÁNEOS DE JOYAS

La búsqueda de nuevos horizontes en la joyería es uno de mis pasatiempos favoritos, se podría pensar que con tanta evolución ya está todo hecho, este es un pensamiento erróneo,  ya que es subestimar el poder creativo de la naturaleza humana.

En la fotografía de la izquierda se puede ver un anillo hecho integramente a mano en plata y con técnicas artesanales. Para el diseño me inspiré en las máscaras venecianas. La piedra es una vitrofusión dicroica que hice personalmente en un horno chiquito para vitrofusión. El resultado fue este espléndido anillo para fiesta con mucha personalidad para la dama que se anime a lucirlo.

Después de leer el libro Joyas Técnicas y artífice de Alina Martínez, me convencí que los límites de agotar todo en joyas está aun muy lejos, esta artista cubana en su libro abre una abanico de posibilidades a la creación, entre sus consejos dice que hay que dejarse llevar y no estar pendiente de si va a gustar o no la joya, tampoco preocuparse por el costo, a lo que yo agregaría que ni siquiera hay que limitarse si va a ser factible de realizar en el taller.

Alina dice que en el diseño hay que dejar que el lápiz corra con toda libertad, y que la mano debe estar libre sin las fronteras que el conocimiento impone, nada debe acotar la creatividad en lo estético. Ya habrá tiempo para las limitaciones mecánicas de las piezas, este será un problema posterior a resolver antes de que la pieza entre al taller. También aconseja usar técnicas de creatividad que ayudan al diseñador, tales como hacer una forma en papel y hacerle cortes con una tijera e ir descomponiendo la figura en sus partes constitutivas para luego sintetizarlas en un diseño.

Por su parte las técnicas de creatividad funcionan siempre y cuando se tenga la gimnasia suficiente en crear, un espíritu de búsqueda e investigación. Siempre es más fácil crear mientras mas información se tiene, para ello es muy importante poseer una cultura general amplia y por sobre todo saber investigar, ya que si queremos hacer una pieza original hay que saber qué es lo que ya está hecho, para no correr el riesgo de descubrir la rueda. Si bien el mirar otros trabajos puede influenciarnos hay que tomar conciencia de que copiar un diseño no agrega ningún valor a la pieza que no dejará de ser una réplica.

Los conocimientos de arte que adquirí a temprana edad donde aprendí dibujo, pintura, escultura e historia del arte, me facilitan muchísimo la tarea de crear ya que a través del estudio se conoce la simbología de cada una de las culturas, de los maestros de la pintura aprendí muchísimo, Salvador Dalí es mi ídolo y creo que ese genio ha influenciado en mis obras. A la derecha se puede ver un anillo que hice como regalo de cumpleaños para mi esposa, el mismo representa una flor, donde el cubismo de Picasso está presente.   

Entre los requisitos para poder crear una pieza es conocer a fondo los materiales y las técnicas de joyería.

En cuanto a los materiales hay que estar abierto a todo lo que sea noble y duradero, yo comencé por los clásicos la plata, el oro y las piedras, pero luego fui aprendiendo que existen muchísimos mas tales como el cobre, el bronce, el carey, los caracoles marinos, el nácar, las maravillosas maderas como el ébano, el quebracho, los corales, los vidrios, los huesos, los dientes de animales, etc. todo lo que sea noble y duradero puede servir.  El anillo de la flor anterior tiene unos granos de cobre como parte del diseño.

Para ilustrar el uso de materiales no tradicionales en la fotografía siguiente muestro un broche hecho con una rama de coral negro. Compré la rama de coral negro a un artesano de la calle simplemente porque me gustó, y pasó bastante tiempo en mi taller hasta que un día la dejé de ver como rama y vi en ella un cisne, a partir de allí comencé a hacer dibujos que me permitieran integrar la rama de coral al cisne, el resultado fue que después de varias semanas, surgió este bello broche que representa a un cisne con la cabeza dada vuelta  espulgándose las plumas. Completa el diseño una pieza de nácar aliotis en la cola (proveniente de un avalón) y una perla cultivada:

En la fotografía siguiente se puede ver una nueva piedra, modificada por métodos modernos, se trata de un cuarzo fracturado, una bellísima piedra que aproveche para hacer el dije de la fotografía siguiente, tiene una estructura con un marco muy moderno en plata texturada, que deja pasar la luz para resaltar la transparencia de la piedra, se trata de un diseño asimétrico que simula ser un pergamino, en la parte inferior izquierda tiene una forma geométrica que salió de una descomposición de la forma, para balancear la asimetría de la piedra:

Por su  parte además de las técnicas tradicionales, en la tarea de diseño ayuda conocer técnicas de otras artes, tales como el esmaltado, el arte decorativo, la vitrofusión, el tallado, etc, todo puede agregar valor a un diseño. El lector intersado puede leer los otros post de este mismo blog que voy incorporando sobre técnicas específicas como el esmaltado, que particularmente me fascina. En la fotografía de la izquierda se ve un anillo esmaltado con la técnica de cloisonné, con una piedra de circonio engastada en el cuadrante negro inferior izquierdo.

En realidad cada técnica nueva que aprendí me abrió nuevas posibilidades de diseño, las técnicas textiles me ayudaron muchísimo en los diseños pues se pueden utilizar tanto para fabricar estructuras, como para dar texturas, que también es todo un mundo por descubrir. En la fotografía de la derecha se observa una malla inglesa incorporada dando textura a un anillo,  completan el diseño trozos de nácar blanco y madera de ébano.

El tallado agrega muchísimo valor a una joya, en la figura siguiente se ve una pulsera muy moderna que tiene un trozo de diente de jabalí tallado a mano con el símbolo de cáncer, ya que la persona para quien la hice es de ese signo, completa el diseño una forma irregular de ébano:

Mis conocimientos de geología también me aportaron ideas para el diseño moderno, el anillo siguiente es un amonite que da realce a un granate que está en pleno centro del diseño, se completa con nácar blanco:

El diseño siguiente combina simbología precolombina en un dije moderno que me encargó una profesora de historia, simboliza una mariposa que es Xochipilli, el Dios de la primavera, la piedra es una malaquita:



Por lo expuesto debo concluir que en diseños de joyas no todo está hecho y que falta mucho aún para alcanzar los límites, la creatividad es el único combustible capaz de sorprendernos y es el que nos lleva a hacer algo distinto cada día.

BIBLIOGRAFÍA:

Alina Martínez de Veggi. 2006. Joyas Técnicas y artífice. Editorial MARTIN (Argentina)   

EL DISEÑO DE UNA JOYA

Para poder hablar de diseño de joyas, primero debemos entender qué es una joya. Hay definiciones variadas acerca de lo que es una joya y lo que es bijouterié, y en algunos casos tampoco hay un límite preciso entre joyería y bijouterié. Sin embargo trataré de dar algunas características distintivas,  para ello comenzaremos por saber cual es sentido cultural de la joyería.

En la mayoría de las culturas, las personas utilizan accesorios ornamentales con diferentes fines, tales como:

• Resaltar la belleza de ciertas partes del cuerpo, por ejemplo los aros, los colgantes, las gargantillas, anillos, etc.
• Como objetos utilitarios, como los broches de ropa con el objeto de cerrar una prenda o adornarla. Hoy hasta los pendrives se convirtieron en valiosas joyas ya que en algunos casos se adorna su cobertura con materiales muy costosos y fina orfebrería. 
• Distinción o pertenencia un grupo o clase social, por ejemplo el uso de un crucifijo en el cristianismo
• Como amuletos o talismanes de protección o de suerte
• Como objetos de ceremonia, tal es el caso de los anillos  de boda

 La joyería y la bijouterié en cuanto al uso cultural no tienen diferencias, sin embargo una de las diferencias radica en los materiales que conforman el objeto, las joyas se hacen con  materiales nobles y duraderos pues una joya es creada para perdurar en el tiempo, al punto que hay verdaderos legados de familia donde ciertas joyas pasan de la abuela a la madre y luego a la nieta. Por su parte la bijouterié no tiene el fin de perdurar en el tiempo, sino mas bien de ser una moda pasajera, por lo que los materiales suelen ser baratos y de menor duración.

En cuanto a la forma de producción,  tanto las joyas como la bijouterie pueden hacerse de forma industrial o artesanal, por ejemplo si se quiere se pueden hacer 1000 anillos iguales de oro usando moldes para fundición, por su parte se puede colocar una máquina a realizar bijouterié. Pero la diferencia la hace la mano de obra,  siempre las de mayor calidad y valor, son las realizadas a mano ya sean joyas o bijouterié. Por lo general las joyas artesanales son piezas únicas de mucho valor.

En cuanto a las técnicas utilizadas hay mucha diferencia, la joyería tiene las técnicas de orfebrería, tales como el engastado (engarce de piedras), cincelado, esmaltado, labrado, soldadura,  etc. mientras que en la bijouterié se pinta, se pega, no se suelda, que son técnicas mas simples de realizar por mayor cantidad de gente, lo que no quita que se pueda hacer bijouterié de buena calidad. El hecho de que haya mayor cantidad de gente haciendo bijouterié influye en la mayor variedad de diseños, ya que son muchas personas creando.

Algunos autores opinan que la bijouterié trata de imitar a las joyas pero con materiales poco costosos, esta concepción es errónea, ya que son dos cosas totalmente diferentes, aparte del uso y los materiales, se diferencian en el diseño. Cada vez mas la bijouterié esta ganando terreno y diferenciándose de la joyería por mérito propio, la diversidad de materiales utilizados da al artesano de bijouterié mayores grados de libertad para dar rienda suelta a su creatividad, llegando a tener unos diseños hermosos, en cambio la joyería clásica que intenta ser mas conservadora en muchos casos por mejores materiales no supera en creatividad de diseño a la bijouterié. Por suerte este concepto está cambiando y desde hace algunos años la joyería comenzó a  modernizarse y  ha ido incorporando nuevos materiales y técnicas tales como el cristal de murano, la vitrofusión dicroica, el nácar, caracoles marinos, maderas, huesos, piedras no preciosas, coral, etc. que con las mismas técnicas de orfebrería surgen joyas bellísimas, verdaderas obras de arte.

Una joya es una obra de arte, que tiene la diferencia con otras obras artísticas, de que es una obra de arte que se usa en vez de exhibirse en una sala. Aquí las personas que lucen la joya son la sala de exposición de la obra.

Como toda obra de arte una joya arranca con un buen diseño donde el artista intenta expresarse, y el único combustible que posee para lograrlo es la creatividad. Si bien la creatividad es un talento que las personas poseen para hacer algo, es bueno conocer algunas técnicas que favorecen a la misma, estas técnicas surgen a propósito de que el tema de la creatividad ha sido bastante estudiado por los psicólogos. Personalmente hago uso de esas técnicas.

El diseño de una joya tiene dos etapas básicas:

1. el diseño artístico que debe ser libre al igual que cualquier obra de arte
2. el diseño técnico, que fija limitaciones prácticas para la factibilidad técnica de realización

Para el diseño artístico yo comienzo haciendo dibujos en papel o consulto una carpeta de diseños ya hechos que fui acumulando con el tiempo (cada idea que me surge la dibujo en un papel para dejarla plasmada, a lo mejor jamás se lleva a la práctica, pero puede servir como arrancador de nuevas ideas), aquí tengo la libertad de crear con independencia de las limitaciones que impone el taller, ya que cuando entramos al taller hay que ir con algo muy concreto para realizar, los materiales son costosos y cualquier improvisación cuesta cara (los carpinteros dicen que la madera se mide tantas veces como haga falta, pero cortar se hace una sola vez).

Veamos algunos ejemplos reales:

Cuando se trabaja por encargo, generalmente el cliente ya tiene alguna idea acerca de lo que quiere , por ejemplo si el propósito fuera hacer un crucifijo, habría que decidir materiales, técnica y estilo, con esto el problema se reduce a decidir si será clásico, ruso, moderno, en plata, oro, con piedras, esmalte, etc. Vemos que tampoco es sencillo pues hay muchísimas posibilidades de las cuales sólo una irá al taller. En la fotografía de la derecha se puede ver una hoja llena de dibujos de crucifijos que hice con la idea de hacer crucifijos esmaltados, entre los cuales me decidí por los siguientes:

A la derecha se puede ver una cruz de plata esmaltada esmaltada en color azul, con una filigrana que la contornea:  

 A la izquierda puede observase como quedó el trabajo terminado de otro de los diseños que hice en el papel. Se trata de una cruz hecha en chapa de plata esmaltada en color bordó con la técnica cloisoné y en el medio tiene una piedra de circonio.

Otras veces el diseño parte desde una piedra, u objeto existente con el que se debe conformar la joya, en cierta oportunidad hice varias chapas de cobre con esmaltado raku y surgió una pieza que me gustó y decidí engarzarla, hice varios diseños como se ve en la lámina siguiente, comencé con la pieza en caida natural (dibujo de la izquierda), luego la invertí, me gustó como quedaba pero tenía el problema del vacío que quedaba en la parte superior a la derecha, por lo que lo rellené con una perla natural y le incorporé una estructura que sustentara a los dos componentes (el raku y la perla):

El resultado final de taller fue el siguiente:

A la derecha muestro otro caso en el que partí de una amatista que naturalmente después del pulido quedó con forma de frutilla, decidí hacer un diseño en volumen, dificultad que no tenían las piezas anteriores ya que eran planas.

En estos casos el problema es que hay que hacer varios diseños para cubrir todas las caras de la piedra, en la figura siguiente se ve que la primera idea fue bastante común, hacer una canastita y encerrar la piedra, luego consideré que la piedra era lo bastante hermosa como para estar encerrada en una jaula, por lo que decidí migrar a un arreglo frutal e incorporé la idea de hacerle un cáliz.

Comencé a mejorarlo al punto que no me alcanzó la hoja y continué arriba. Para dar destellos de luz incorporé dos pequeños circonios a la izquierda y para completar el engace agregué una hoja a la derecha que iría hasta abajo atrapando la piedra y no dejándola salir. En definitiva el diseño terminó siendo una canasta disfrazada.

Para poder colgar el dije de la cadena agregué una hoja labrada y doblada como se ve en la pieza terminada de arriba.

En la fotografía siguiente se puede observar el costado de la joya terminada:  

Aprovechando la lámina de los diseños muestro a continuación una pulsera esclava en filigrana de plata, para la cual como se ve hice varios diseños, comenzando con lo artístico sin limitaciones, pero luego tuve que modificar el diseño a efectos de evitar enganches en las prendas y a la vez darle solidez ya que se podía desoldar o quebrar,  por lo que fui buscando la forma de reforzar la estructura en los puntos débiles. El resultado fue el siguiente:

Para terminar quiero mostrar un corte de ágata decorada con un paisaje marino y explicar como surgió el castillo de la primer figura. El corte de ágata me sugirió una caverna y a partir de allí comencé a realizar el diseño, decidí incorporar una ostra sobre la que está parada la sirena mirando hacia la caverna, a la izquierda coloqué un alga y en centro de la ostra una pequeña amatista.

El castillito de la fotografía de arriba surgió a partir de una pieza de nácar verde natural que encontré, apenas vi la pieza pensé que era un paisaje natural de sierra y cielo, por lo que restaba instalar alguna construcción, y se me ocurrió colocarle un castillo, con su jardín, agua, banderas, etc. Los techos del castillo son de coral rojo y la puerta es de azabache.

Como conclusión de esta exposición, no me queda otra cosa que recomendar a la persona que desee hacer un diseño original, primero que se esfuerce en NO COPIAR, pero si en agudizar su poder de observación, que mire los escaparates de las joyería, que lea todo lo que pueda aún que no tenga que ver con la joyería, que vaya por su medio mirando todo, la naturaleza, los árboles, calles, edificios, etc. hasta una reja de un casa puede inspirar una joya.  Por otra parte que se acostumbre a no tirar los diseños borradores sino que los encarpete, pues pueden servir en otra oportunidad como fuente de inspiración.

RAKU SOBRE METALES

 La técnica  raku de esmaltado, tradicional de la cerámica japonesa puede ser usada para dar una singular iridiscencia a las joyas esmaltadas sobre metales, sin duda las piezas que se logran son de una belleza única, sin embargo es un proceso que requiere de experiencia .

Cuando digo que las piezas son únicas lo estoy diciendo en el sentido literal, ya que jamás pude lograr dos piezas iguales, parecidas si pero nunca iguales, esto sin duda se debe a que no se pueden controlar todas las variables del proceso. Hacen falta mucho mas estudios para poder saber bien qué es lo que ocurre en ese proceso químico.

En la fotografía de arriba se ve un colgante con estilo moderno que tiene una chapa de cobre esmaltada con esta técnica y engarzada en una estructura, acompaña el diseño una perla cultivada irregular. Esta pieza tiene iridiscencia dada por una capa de nitrato de plata en todo el contorno.

   

La técnica raku es un proceso químico de reducción en atmósfera pobre de oxígeno por el que un oxido contenido en el esmalte se convierte en metal al perder el oxígeno.

El principio de la reducción es simple (Chavarria.1998:53):

Cuando se quema el aserrín de la  madera el carbón se combina con el oxígeno y produce anhídrido carbónico ( CO2 ) y calor si hay oxígeno suficiente, pero si el ambiente es pobre en oxígeno se produce una combustión incompleta que ademá de  CO2 produce monóxido de carbono ( CO ) y carbono ( C ).

El carbono y CO  son muy activos a alta temperatura y buscan combinarse con el oxígeno en el interior del tarro, al consumirse se combinan con el oxígeno que contiene el esmalte. Así el óxido férrico ( Fe2O3 ) se reduce a oxido ferroso ( FeO ) y el óxido cúprico ( CuO ) pasa a óxido cuproso ( Cu2O ).

Finalmente estos óxidos se reducen a metal cobre ( Cu ) o hierro ( Fe ) cambiando el color.

A modo de ejemplo veamos como se producen algunas reacciones por reducción:

2 CuO + C ----: 2 Cu + CO2  (libera cobre)

 CuO + CO ----: Cu + CO2  (libera cobre)

 FeO + CO ----: Fe + CO2 (libera hierro)

De aquí sacamos una primera enseñanza, que conociendo la composición química de los esmaltes se puede intentar liberar el metal, pero lamentablemente esto es solo una parte del fenómeno y quedan muchas variables por controlar, tales como el tiempo de reacción, el tamaño de la cámara, la temperatura alcanzada, la mezcla de óxidos, etc.

A continuación les paso algunas pocas reglas que pude extraer después de hacer muchísimos experimentos a modo de guía para aquellos que deseen aventurarse en este proceso:

Primero hay que preparar un recipiente de chapa hermético, vienen bien los tarros de leche en polvo.

Llenarlo hasta arriba de aserrín de grano medio, dejar una pequeña cámara de 3 cm ya que las piezas a cocinar en joyería son chicas y debe consumirse el oxígeno con el fuego que logre hacer el calor de las mismas. El aserrín no debe ser grueso como la viruta porque deja marcas, pero tampoco debe ser fino como polvo porque se quema y deja residuos carbonosos en la superficie de la pieza. El aserrín no debe ser de pino ni ninguna madera resinosa.
  

El mejor resultado lo obtuve esmaltando sobre cobre, para ello construyo cabujones con chapa de cobre 0,8 mm, con distintas formas redondeando los bordes y bajándolos a martillo sobre un yunque de joyero.

En relación a los esmaltes se deben usar exclusivamente esmaltes importados (yo uso franceses y alemanes), he probado con esmaltes nacionales y no obtuve ningún resultado. El esmalte debe ser libre de plomo.

Los colores turquesas o verdes tienden a dar superficies rojizas cobreadas brillantes, llevando cobre a la superficie.

Los colores rojos o rosas tienden a dar superficies doradas o beiges marfil.

En el centro de la fotografía de  la derecha se ve el color beige marfil que apareció después de colocar esmalte rosa al medio sobre una base blanca y en la periferia del colgante se tienen reflejos rojizos dados por el esmalte verde. El diseño es moderno y representa una mano sujetando una perla, el pulgar es una pierna de mujer y los otros cuatro dedos están juntos (me apasiona el arte moderno).

Se puede usar Nitrato de plata para dar efectos de iridiscencia y reflejos plateados, hay dos formas para usarlo: 

• a) colocarlo en el esmalte antes de la cocción: en este caso explota y se produce una superficie porosa con pequeñas perforaciones como se observa en el colgante de la primera fotografía (la de arriba).
• b) Si se desea que tenga iridiscencia pareja se puede pintar como última capa después de esmaltar la pieza, en este caso queda una superficie lisa iridiscente.

Los mejores resultados se obtienen sobre una base negra o azul, en base blanca a veces aparecen reflejos rosas o color beige.

En los botones negro y azul, de la izquierda de la fotografía siguiente, se puede ver el efecto del nitrato de plata que da sobre las bases azules y negras: 

El cabujón de la derecha es un poco mas complejo tiene una base negra y sobre ella tiene colores beige y rojo, se nota al centro reflejos dorados, al final tiene en los bordes una mano de nitrato de plata que dió iridiscencia sobre la base negra, con lo que se pudo obtener esta bella pieza. He guardado esta pieza hasta que algún día la creatividad me florezca y haga honor a la misma convirtiéndose en una fina joya.

El cabujón del medio es una base negra con verde y pintada toda la superficie con nitrato de plata.  

Para el armado, se procede a rellenar con masilla de artesano la parte de atrás del cabuyón esmaltado a efectos de dar fortaleza a la pieza y evitar que durante el manipuleo posterior pueda dañarse.

Si se desea pulir la joya es muy importante proteger el esmalte con capas de cinta adhesiva y por ningún motivo pasar el paño de la pulidora por la superficie esmaltada ya que la misma borrará la iridiscencia superficial.

 

TECNICA RAKU:

1. Destapar el tarro con el aserrín
2. Esmaltar el trabajo de forma normal hasta la última cocción que el diseño imponga
3. Cuando alcance los 850-950ºC tirar la pieza que estará al rojo vivo al tarro y tapar inmediatamente y mantener apretado con un trapo para no quemarse unos minutos (es casi imposible evitar perder humo por mas hermético que sea el tarro)
4. Esperar unos 5 minutos antes de abrir (cuando cesa el humo)
5. Una vez enfriado, el trabajo está listo para la limpieza, para ello se pueden eliminar los residuos carbonosos bajo el chorro de agua de la canilla frotando suavemente con un cepillo de vidrio o de dientes con cerdas duras

RECOMENDACIÓN FINAL:

Los mejores resultados se obtienen probando, obligadamente hay que hacer pruebas tanto para adquirir destreza en la rapidez que hay que tener, como para lograr efectos especiales.
Otra recomendación, si Ud. obtiene una pieza bonita y le gusta no la toque mas y resérvela pues puede ser que por mejorar el diseño pierda la pieza y no logre reproducirla nunca mas.
Ahora no me queda otra cosa que desearle suerte y animarlo a construir estas bellas piezas.

BIBLIOGRAFÍA:
Joaquín Chavarría. 1998. Esmaltes. Editorial La isla (Bs.As.)

ARTE EN VITREAUX

Un vitreaux en su definición amplia es una obra de arte hecha con vidrios de colores, que se unen mediante plomo. Sin embargo esta definición general encuentra en sus casos particulares una cantidad apreciable de técnicas que la creatividad de los artistas han ido acrecentando con el paso del tiempo.

Este antiguo arte, derivado probablemente de la pintura, tiene un componente adicional que las telas no tienen y es que la luz a través de la transparencia del vidrio brinda un espectáculo único al expectador.

No se debe confundir con el falso vitreaux, que es una técnica del arte decorativo por el que se obtiene un resultado de aparente vitreaux usando una pasta y lacas de colores.

Si bien los materiales van cambiando, hay dos técnicas básicas para unir los vidrios: las varillas de plomo y la técnica tiffany, la primera es mas empleada en los vitrales donde los vidrios son grandes y la segunda es mas apropiada para la fabricación de objetos, sin embargo en la práctica muchas veces hay que combinar ambas para lograr el trabajo.

TÉCNICA DE EMPLOMADO:

La técnica de las varillas de plomo o emplomado, es una técnica simple basada en ensamblar las piezas de vidrio como un rompecabezas utilizando como medio de ensamble un perfil de plomo en forma de H que aloja dentro en cada cavidad un vidrio, luego se suelda en los extremos y se otorga rigidez al vitral, luego se asientan las pestañas sobre el vidrio para dar terminación. Para la periferia se utiliza una varilla de plomo con perfil en U. En casos de ventanas al exterior estas uniones son selladas antes de bajar las pestañas. En la fotografía de la derecha se puede ver un cuadro que realicé con esta técnica.

El único cuidado que hay que tener con esta técnica es que el diseño crece debido al alma del perfil, por lo que si no se desea que aumente de tamaño hay que descontar el espesor en los moldes de papel antes de cortar el vidrio, para ello se puede hacer en forma casera pasando una fibra gruesa por las uniones sobre el papel y luego cortar por afuera del trazo. Hoy existe una tijera de doble corte que permite sacar prolijamente el espesor del plomo sin ningún trabajo adicional como se puede observar en la fotografía siguiente (dejé pegada al papel una tirita en el corte recto para que se vea el trabajo que hace la herramienta):

TÉCNICA TIFFANY: 

La técnica tiffany fue creada por el norteamericano Louis Comfort Tiffany a fines del siglo XIX, envolviendo en láminas de cobre las piezas de vidrio cortadas y luego soldándolas con estaño, de esta manera se podían incorporar al diseño vidrios pequeños dando lugar a las famosas lámparas tíffany.

En la fotografía de la izquierda se puede ver una lámpara de techo que hice con esta técnica, el diseño lo presentaron en un programa de TV Manos a la Obra de Herminia Devoto, la empresa que lo mostró lo había hecho en otros tonos mas apagados, así que yo le di la impronta personal. Cabe aclarar que un trabajo de este tipo llega a tener mucho peso por la cantidad de vidrio y estaño utilizado, corriendo el riesgo de desplomarse por efecto de la gravedad, por lo que en el diseño se debe incorporar una estructura con alambres de acero que permitan sustentar la estructura. Esta estructura va oculta en el cordón de la soldadura y estratégicamente distribuida en los bordes de algunos vidrios. La terminación de la lámpara fue dada con pátina negra.

En la actualidad esta técnica ha evolucionado con la aparición de la cinta autoadhesiva de cobre (copper foil) facilitándose la tarea, sólo hay que cortar el vidrio lijar los bordes matando el filo y dando mayor adherencia, y bordear prolijamente con la cinta. Si bien esta técnica tiene mucho mas posibilidades que la del emplomado,  exige mayor prolijidad y precisión en el corte de los vidrios, ya que de lo contrario quedan cordones desparejos. Para soldar primero se hacen puntos de soldadura de fijación de las piezas y luego se hace un cordón que cumple dos funciones: dar rigidez y belleza ya que también cumple la función de decorar terminando la pieza.

En la fotografía de la derecha se ve un espejo donde se combinaron ambas técnicas, el marco del espejo está hecho en tiffany pero la unión del marco al espejo es de perfil H de plomo:

OBJETOS CON VOLUMEN:

La técnica tiffany es muy noble y permite al artista dar rienda suelta a su imaginación, y comenzar a incorporar otros materiales además de vidrio al diseño, tales como alambres, gemas, madera, caracoles, piedras, bijouterie,  etc. Esto permite dar mucho mas libertad al diseño obteniéndose objetos con volumen de increible belleza.

A continuación muestro algunos objetos que hice inspirado en las obras de Paty Serbali, una artista de una creatividad admirable, y de la que aprendí muchísimo observando su trabajo en el sitio http://www.patyserbali.com/. En todos estos trabajos se ve la influencia que esta artista causó en mis diseños:

CARAMELERA:

Esta caramelera fue hecha utilizando piedras chatas de acuario blancas, negras y amarillas, combinadas con gemas de colores en un arreglo floral, en la tapa tiene una oruga como decoración:

En la fotografía de la derecha se ven detalles de la tapa, fue hecha con vidrio esmerilado. Por su parte el gusano, fue hecho uniendo bolitas de vidrio y las patas y antenas con alambre de alpaca y material de bijouterie.

ESPEJO DE MANO:

Hace algunos años Paty Serbali participaba de un foro y enseñó una técnica para cortar botellas utilizando el soldador y el fundente, conocimiento que posteriormente me permitió realizar trabajos que con las técnicas tradicionales de corte con el piolín no lo pudiera haber hecho. Un corte de precisión hecho con esta técnica se puede observar en la obra siguiente, es un espejo de mano que tiene el mango de una botella cortado en U , la obra se podría llamar la "planta del pie" o "flor de pata" ya que combina la forma de un pie con una flor, para la decoración hice una filigrana con alambre de alpaca y material de bijouterie con forma de ramito de flores, la terminación está dada por una pátina negra sobre el cordón de la soldadura:

CAJA DE VIDRIO:

La siguiente caja está hecha con vidrio, gemas y un caracol cortado con el torno de mano y pulido (la idea es de Paty Serbali),  esta usado como si fuera un vidrio encintado en los lugares de contacto, lo mismo que la bolita que tiene el caracol adentro. La caja tiene espejo en su interior.

PORTASAUMERIO:

El siguiente portasaumerio es una escultura hecha usando la técnica tiffany, es una violinista donde el arco es el saumerio y las cenizas caen en el recipiente del piso que puede extraerse para su lavado.
El vestido es una raíz de algarrobo, el miriñaque sin la tela es una filigrana de alambre de alpaca con cuentas de bijouterie, el busto de la dama son dos bolitas al tono del vidrio que forma el escote, se terminó con costura de estaño decorativa. Los brazos y puños blancos son de bijouterie.
El recipiente para recibir las cenizas es de vidrio y tronquitos de un arbusto seco.
Por su parte el violín, está hecho con un trozo de tulipa blanca que se rompió pero que tenía forma curva, las cuerdas son de alambre de alpaca.

FANAL:

En cierta ocasión mi esposa estaba lavando una vajilla y rompió una copa de vidrio, que curiosamente se rompió con una forma artística, en esa oportunidad decidí aprovechar la copa rota como portavela de este fanal, que cuando hay cortes de luz usamos y nos gusta ver los haces de luces de colores que transmite.
La parte de atrás está hecha en espejo y facetadas para que se autorefleje la luz, la copa tiene vidrios y gemas de colores que se interponen con la luz de la vela y dan luces de colores.

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HUEVOS DECORADOS

Decorar huevos siempre fue una actividad de las personas en diversas culturas, generalmente se hacía como regalos de augurios de prosperidad y felicidad en cumpleaños, casamientos, fiestas religiosas, etc. En la actualidad para Pascuas suelen regalarse huevos de chocolate costumbre derivada de la antiguedad.

Si bien las decoraciones eran modestas en un principio, en la Rusia de los zares llegaron a ser verdaderas joyas muy preciadas entre la realeza. Fue el orfebre ruso Fabergé, quien hizo verdaderas obras de arte, que hoy se encuentran en museos y en colecciones privadas, con un valor incalculable. Los huevos de Fabergé tenían un diseño exquisito y estaban decorados usando técnicas de joyería con piedras y metales preciosos, e incluían algún objeto en miniatura que ocasionaban la sorpresa del agasajado.



Huevo de gallina decorado como una capillita



En la actualidad surgió un nuevo arte, imitando a aquellos famosos huevos rusos, pero utilizando materiales mas baratos, en el que algunas personas desarrollan su talento creativo creando hermosas piezas, dignas de cualquier vitrina. En América latina recibe el nombre de arte realeggza (neologismo creado por una maestra en el arte de decorar huevos, Vanesa Pena, que fusiona las palabras huevo:egg y realeza), haciendo alusión a esta particular forma de decorar huevos que recuerda a los famosos huevos rusos.

Para la tarea se utilizan huevos de gallinas, gansos, codorniz, avestruz, etc. y las técnicas no son las joyería sino las de arte decorativo, usando pintura acrílica, craquelados, telas, brillitos, lentejuelas, perlas, puntillas, strass, etc.

Para la conservación de estas obras de arte es imprescindible utilizar una vitrina hermética a prueba de entrada de tierra, los huevos que presento aquí se conservan bajo vasos de vidrio que hacen las veces de campana de vidrio.
En cierta oportunidad mi esposa compró unos angelitos que deseaba conservar y me solicitó que le hiciera unas cajitas de vidrio para conservarlos, en dicha oportunidad decidí incursionar en el arte realeggza y diseñar unas capillitas utilizando huevos de gallina, el resultado es el que se ve en las fotografías siguientes:

En la fotografía siguiente se puede ver uno de los costados de la capilla:

En la fotografía siguiente se puede ver la parte de atrás de la capilla:

TÉCNICAS UTILIZADAS:

Para el calado utilicé un torno de mano con un disco de diamante muy finito, a 6000 revoluciones.
Luego realicé una fina cartapesta para endurecer la cáscara, y la pinté con acrílico blanco de base y un degrade de color verde en la base.
Los interiores tienen gibre
Las paredes exteriores de la capilla están recubiertas con gibre
Las puertas son móviles con bisagra y al cerrar forman una cruz
El piso es un círculo de cartón recubierto en raso blanco
Las ventanas están cubiertas con puntilla blanca
El pie del huevo fue hecho con alambre recubierto con masilla para artesanos, moldeado y pintado con goma laca y purpurina dorada
La cúpula fue moldeada con masilla para artesanos y pintada con con goma laca y purpurina dorada

Para la decoración se utilizó perlas, strass de colores y ribetes dorados


OTRA CAPILLA:

Aquí presento el diseño de capillita que hice para el otro angelito:

 

En la fotografía siguiente se puede ver la parte de atrás de la capilla:

TÉCNICAS UTILIZADAS:
Para el calado utilicé un torno de mano con un disco de diamante muy finito, a 6000 revoluciones.

Luego realicé una fina cartapesta para endurecer la cáscara, y la pinté con acrílico violeta de base.
Los interiores tienen gibre
Las paredes exteriores de la capilla están craqueladas
El piso es un círculo de cartón recubierto en raso rosa
Las ventanas están cubiertas con tul blanco
El pie del huevo fue hecho con alambre recubierto con masilla para artesanos, moldeado y pintado con goma laca y purpurina dorada
La cúpula fue moldeada con masilla para artesanos y pintada con con goma laca y purpurina dorada
Para la decoración se utilizó strass, cuentas doradas, lentejuelas con forma de estrellitas y ribetes dorados

CINCELADO A MANO

El cincelado es una técnica de orfebrería que consiste en transformar una lámina de metal en un bajorrelieve dando golpes de martillo sobre un punzón llamado cincel.

Es común ver chapas con bajorelieves hechos por estampado con un martinete y confundirlo con el cincelado a mano, si bien ambos procesos llevan al mismo fin (deformar el metal), el estampado es un proceso que puede producir miles de piezas industrialmente con el mismo dibujo en poco tiempo, mientras que el cincelado a mano produce una pieza única artesanalmente, por lo que el cincelado es artístico.  

En la fotografía de arriba se puede observar un mate porongo decorado con una cobertura realizada con esta técnica sobre chapa de 0,40 mm de alpaca.

La tarea de cincelado arranca con un buen diseño, yo lo hago en papel dibujando varios bocetos hasta que encuentro alguno que me guste y esté convencido que es lo que quiero hacer y es ese  el diseño que llevo al taller, ya que la tarea artística no está exenta de una buena planificación. Una vez comenzado el trabajo no se puede cambiar de opinión pues la deformación del metal es irreversible.

Los cinceles pueden comprarse hechos o hacerlos uno mismo, curiosamente cada vez que se desea hacer una pieza con un dibujo jamás encontramos el punzón que se adecúe completamente al diseño, por lo que generalmente se termina haciendo un nuevo punzón y así nos vamos llenando de herramientas con el tiempo:

Para hacer un cincel hay que tomar un trozo de hierro dulce, tallar la punta con limas adecuadas, pulir con tela esmeril de distintos grosores comenzando con 600 y terminando en 1200 esto es necesario para que el cincel no deje marcas en el metal cuando por el golpe produzca la deformación. Finalmente se debe endurecer la punta calentado con el soplete al rojo vivo la misma e introduciendola en un recipiente con aceite quemado de autos, dejando el cincel allí hasta que se enfríe, este proceso térmico modifica el estado molecular del material endureciendo la superficie. Esto es necesario para que en el trabajo el cincel no sufra desgaste ya que deberá aguantar miles de golpes durante la tarea de una pieza.

Por otra parte es necesario fijar la chapa de la pieza a una pasta de cincelar que permita por un lado mantener firme la pieza sin moverse y por otro aguantar los golpes dados con el martillo sobre el cincel, evitando la deformación excesiva de la chapa. Para ello se puede usar una morsa especialmente diseñada a tal efecto en la que se fija un taco de madera con la pasta o mas rudimentariamente una piedra pesada sobre la que se pega un poco de pasta de cincelar, calentamos la misma con el soplete y fijamos la pieza, luego rellenamos todos los huecos con pasta de cincelar, como se observa en la fotografía siguiente:

Una vez fijada la chapa a la pasta de cincelar solo queda transferir el diseño del papel dibujando sobre la chapa con una fibra indeleble y comenzar a golpear con el martillo sobre el cincel apropiado para provocar un hundimiento que en cada punto de la superficie logre el efecto deseado.

A partir de ahora las únicas herramientas que harán falta para lograr la pieza son la paciencia, el amor y la creatividad que el verdadero artesano pone en su trabajo.


COMO SE HIZO EL MATE:

Para lograr el diseño de la obra que se expone en este artículo, se elaboraron piezas de chapa con las partes cincelando cada una por separado y finalmente se hizo el montaje soldando las mismas.

El trabajo se planteó en 4 etapas: la corona, el escudo, la base y las patas. La corona a su vez se hizo en dos partes: el cono y la corona propiamente dicha que luego fueron soldadas.

En la fotografía de la derecha se pueden observar los detalles de la corona, chapa cincelada con una guarda que tiene plumas, una corona calada con flores, y una rodocrosita (piedra típica de Argentina) engarzada. 

Se puede ver también el ribete de terminación bordeando la periferia de la chapa hecho con alambre mediacaña de 2x1mm.

En la fotografía de la izquierda se ve el escudo cincelado y ribeteado con alambre 0,8mm de diámetro.

En la fotografía siguiente se puede ver la base del mate tambien cincelada y soldada al trípode formado por las patas.

Cada una de las patas fue construida en forma separada haciendo un alma de chapa de 1 mm de espesor,  ambas caras fueron cinceladas en chapa de 0,40mm y soldadas al alma de metal. La terminación es un ribete de media caña.

Para fijar las piezas cinceladas al mate se diseñó un sistema de ajuste con tiradores en la parte de atrás como se puede observar en la fotografía siguiente:

COMO SE HIZO LA BOMBILLA:


Para lograr la bombilla se partió de un tubo de alpaca 0,8 cm de diámetro y de chapa 0,50 mm para "el coco".

El tubo se cinceló apoyando sobre una zuela gruesa que evitaba la deformación de abajo, mientras que en el interior se colocó un hierro liso redondo de un diámetro un milímetro mas chico que el tubo a efectos de aguantar los goles del cincel.

Para el coco se hicieron dos círculos de chapa lisa y se los deformó con una técnica de batido (que describiré en algún otro post) sobre un dado con mediacaña y punzones redondos, logrando dos semiesferas huecas. Luego se caló la de arriba y se perforaron ambas mismas. Finalmente se soldaron colocando un ribete para dar terminación a la unión a modo de tapajunta.

Se adornó con una rodocrosita engarzada haciendo juego con el diseño del mate, el resultado es el siguiente:

COMO HACER MASA WARKA EN CASA

Esta información está en mi blog de COCINA, entrando en http://esolercocina.blogspot.com/  lo podrá encontrar. Lo moví de lugar por una cuestión de separar los temas. Disculpe las molestias.