VITROFUSIÓN EN JOYERÍA

La vitrofusión es una técnica muy difundida en la fabricación de bijouterié, pero poco explotada en joyería en virtud de que se cree erróneamente que el vidrio no tiene el valor de una piedra.

Esta concepción errónea proviene de creer que lo único que se puede hacer en vitrofusión  es un vidrio coloreado con un poco de esmalte y un alambre para colgar o adherido con un poco de silicona a una estructura de latón (algo de cierto hay porque es lo que más comúnmente se ve),  sin duda que si se reduce a esto la vitrofusión jamás alcanzará los escaparates de las grandes joyerías. Recién en los últimos años empezó un cierto auge del murano con una profusión de diseños que comenzó a alentar el uso en combinación con acero quirúrgico, pero a pesar de ello hay muchísima repetición de motivos del vidrio que por allí termina cansando a la vista, tal es el caso de las florcitas.

Este post intenta reivindicar la técnica y mostrar que se pueden hacer joyas finas y de alto valor, dignas de una vidriera, como la que se exhibe en la portada de este post, es un anillo importante para fiesta con vitrofusión dicroica inspirado en una máscara veneciana.

Hay muchas posibilidades con la vitrofusión, todo pasa por conocimiento y creatividad, las piezas de vidrio las podemos comprar ya hechas y luego a partir de ellas crear la joya o bien crear un diseño y luego hacer nosotros mismos la vitrofusión acorde al diseño, como hice yo con el anillo que se muestra arriba.

MATERIALES:
En cuanto a los materiales, el material base que se usa es el vidrio común de ventana plano  (Float) de 3-4mm que se combina con otros elementos que se detallan a continuación:

a) Vidrio de color Flosing o Easy Fuse:
Estos vidrios son importados y permiten dar color mas puro e intenso a la vitrofusión, se usan trocitos por lo que una plancha puede producir grandes cantidades de piezas. La única restricción que existe es que los vidrios a fundir tengan el mismo coeficiente de dilatación a efectos de evitar tensiones y fisuras en las piezas terminadas.

b) Vidrios dicroicos:
Los vidrios dicroicos permiten dar profundidad a una pieza por incidencia de la luz, vienen lisos tornasolados o tienen impresos patrones de figuras estampadas con muchísimos tonos de brillo metálico tornasolado, como se muestra en la fotografía siguiente:

c) Fritas, mostacillas, escamas, thor, mica e hilos de de vidrio:

Estos productos forman una familia muy grande de accesorios que permiten crear texturas. Todos se pueden usar ya sea en sandwich de float o como cobertura, a excepción de la mica que siempre va en sandwich.

Los hilos de vidrio se usan para crear líneas rectas o curvas bien definidas. Hacer curvas con estos hilos es muy fácil, solo es necesario una llama de una vela para calentar y darles forma.

El Thor es un polvo de vidrio con brillos metálicos y puede usarse para obtener efectos de textura metálica.

Las mostacillas combinan perfectamente con una variedad de coloridos, son las que se usa en bordados pero debe tenerse la precaución de elegir las que son de vidrio (digo esto porque en las mercerías también existen unas de acrílico). Se pueden usar solas para hacer puntos de colores, o agrupadas para hacer una mancha de color.

Las escamas son planchas finas de vidrio de color.

Las fritas son granos de vidrio de color, vienen de distintas granulometrías.

La mica, son escamas que permite dar tonos metálicos y genera grandes burbujas, siempre se usa en sandwich de vidrio transparente float.
 

En la fotografía anterior se puede observar de izquierda a derecha, en la parte superior fritas de color violeta, azul y verde en tres granulometrías distintas, en la parte central se ven mostacillas de color rojo y verde y finalmente a la derecha los hilos d evidrio. En la parte inferior a la izquierda se ve un polvo thor turquesa, escamas de vidrio naranja y unas planchas de mica.

d) Hilos y planchas de metal:
Se pueden incluir siempre entre sandwich de float, alambres finos de cobre, bronce o alpaca. De igual modo se pueden incluir figuras de planchas de bronce o cobre muy finas 0,3 mm de espesor como las que se muestran a continuación :

e) Óxidos y esmaltes:

Se pueden incluir tanto en sandwich de float como cobertura.

Los oxidos se utilizan agregándoles un fundente ya que por si solos no vitrifican.
Los esmaltes son formulaciones que incluyen óxidos, fundente y pigmentos. Se usan solos ya que vitrifican.

Para la colocación de estos polvos, se deben mezclar con agua destilada haciendo una pintura, con la que se pinta ponceando con la punta de un  pincel de cerda suave. Luego se debe dejar secar y recién tapar con el vidrio de cobertura si se optara por el sandwich.

TÉCNICA DE VITROFUSIÓN:
Se denomina vitrofusión a un conjunto de técnicas que permiten obtener objetos de vidrio por superposición de varios vidrios  fundidos bajo un programa de temperaturas en un horno.

El programa de temperaturas es un perfil por el cual se eleva la tempertaura del vidrio progresivamente manteniendo descansos a efectos de no destruir el vidrio especialmente en los llamados puntos críticos hasta fundir el vidrio obteniendo una masa semilíquida, el programa se completa con el enfriado que debe ser suave a efectos de evitar tensiones, ya que puede fisurarse la pieza fundida. Estos programas según sea la técnica pueden tardar varias horas. El tratamiento térmico puede elevar la temperatura en el rango 800-900ºC, según la temperatura alcanzada por el programa se obtendrán bordes planos o redondeados.

La técnica de la vitrofusión para joyería no es cara de implementar, se puede comprar un hornito chiquito especial para joyería a precios muy accesibles o bien preparar una colección de piezas y alquilar una horneada en algún servicio de alquiler de horno.

Los vidrios se pegan en frío con un adhesivo vinílico (puede ser uno especial que venden o simplemente la cola vinílica que usan los chicos en la escuela para pegar papeles) para armar la estructura a hornear, aquí la prolijidad para el pegado es un factor esencial para que la pieza una vez horneada tenga belleza. No se debe poner mucho pegamento, tan solo una gotita colocada con la punta de un escarbadientes en los lugares estrégicos es suficiente para mantener pegados los vidrios. Una vez armadas las piezas deben ser puestas a secar unas horas antes de llevar al horno.

Las piezas ya armadas se depositan sobre un molde de bizcocho cerámico o en una placa plana y hasta se puede utilizar el piso del horno. Sea el molde que se elija debe estar  recubierto de caolín en polvo esparcido finamente con un tamíz a efectos de que no se peguen las piezas y a la a vez que no se vea afectada la textura de las superficies.

Es importante que los moldes no tengan detalles hacia adentro que puedan atrapar al vidrio y al desmoldar se rompa la pieza.

Para usar esta técnica en joyería básicamente hay dos grandes modalidades generales (aclaro al lector que no son las únicas, hablo de las mas usadas):

1. Hacer un sandwich con dos vidrios float de 3mm (uno de base y otro de cobertura) y en el medio colocar vidrios de colores, vidrios dicroicos, esmaltes o materiales extraños como mica, metales como el cobre etc.
2. Poner una base de float de 4mm y sobre ella hacer una cobertura con materiales vítreos que otorgen color y textura a la superficie.

A continuación muestro las técnicas que utilicé en mi incursón por la vitrofusión, para producir algunas piezas que están en espera de un buen diseño:


VITROFUSIÓN DICROICA:

El vidrio dicroico tiene la propiedad de variar el color que se refleja dependiendo de como sea el ángulo de incidencia de la luz sobre el vidrio, dando la impresión de profundidad como se ve en el anillo de la portada.

A continuación muestro algunas piezas hechas con esta técnica, en todos los casos se usaron trocitos de vidrio dicroico entre sandwich de float, lamentablemente la fotografía no muestra la belleza de la realidad, pero a efectos de ilustrar el concepto sirve:

VITROFUSIÓN CON ESMALTES:

Los esmaltes permiten poner colores lisos o con burbujas, dando la posibilidad de diseños complejos como los que se muestra en las imágenes siguientes.

En la  fotografía siguiente se ve un juego de piezas todas con un mismo motivo simple para  pulsera, dije, anillo y aros, aqui se usaron colores lisos y un marrón con efecto de burbuja:      

En la fotografía siguiente se muestran diseños mas complejos:

En los trabajos siguientes se utilizaron los esmaltes para producir pequeños cuadros, el de la derecha es un pisaje de un lago:

Los siguientes también se hicieron del mismo modo:

VITROFUSIÓN CON TEXTURAS:
Para lograr texturas la técnica es sobre un vidrio de 4mm de espesor colocar materiales vítreos que puedan fundirse.

En la fotografía anterior se ve en la parte superior de izquierda a derecha el primero una composición con mostacillas en grupo de manchas con varios colores, el segundo es un cuadro que en el medio tiene un sandwich con esmalte y el marco está hecho con trocitos de vidrio float y esmalte negro entre cada uno para dar apariencia de craquelado. El tercero está hecho con fritas rojas,verdes y azul y mostacilla, el anillo de la derecha con mostacilas e hilos. Las piezas de la parte inferior son para una pulsera y dije, la pulsera de la izquierda esta hecha con hilos de colores y curvada con molde de bischocho cerámico cilíndrico para que tome la forma de la muñeca. El dije de la derecha tiene fritas blancas y mostacillas.

La fotografía anterior muestra dos juegos preparados para una gargantilla con aros a la izquierda , tiene fritas, escamas naranjas e hilos de vidrio curvados a la llama de una vela. A la derecha solo con mostacillas.

VITROFUSIÓN CON INTRUSIONES:

Para hacer intrusiones como las que se muestran en la fotografía siguiente se seleccionaron diversos materiales que fueron incluidos en sandwich de float.

Enla fotografía anterior de izquierda a derecha se ve una pieza con intrusiones de alambre de cobre, lámina de bronce, fritas e hilos. Los tres siguientes tienen alambre de alpaca, hilos y mostacillas. En la línea de abajo el primero tiene vidrios flosing, el segunto tiene una figura de un pez en chapa de cobre, los otros dos tienen chapa y alambres combinados con hilos y mostacilla.

En la fotografía anterior se ven piezas con mica como intrusión, estas piezas tienen grandes burbujas generadas por la mica.

VITROFUSIÓN CON MURANO:

Las piezas siguientes las compré durante mi visita a Venecia, donde hay tantos escapartes con las piezas mas increibles, se puede ver que son muy bellas y diferentes a lo que se ve habitualmente. El día que mi imaginación genere un buen diseño se convrtirán en finas joyas.

Las piezas siguientes son las clásicas florcitas, que exigen un mayor esfuerzo de creatividad a efectos de lograr una pieza original, hay que tratar de enmascarar la pieza para que el diseño sea mas atractivo:

Las cuentas siguientes son de singular belleza y pueden ir en cualquier diseño:

VITROFUSIÓN PARA GEMAS:
También se pueden hacer gemas cortando trocitos de vidrios de colores, colocándolos en una placa cerámica lisa y aplicando un programa de temperatura para bordes redondeados.

 Con este post he pretendido mostrar sólo una pequeñisima parte de las múltiples posibilidades que tiene la vitrofusión en la joyería y animar al lector a abandonar la creencia que vitrofusión es solo vidrio y esmalte.

JOYERÍA CON FÓSILES

 
Los restos de algunos seres vivos como animales o plantas que vivieron miles o millones de años atrás, en ciertas condiciones sirvieron de molde, para que los minerales que se hallaban en contacto sustituyan la materia orgánica y puedan preservar su forma, en algunos casos con sorprendentes detalles. Estas piedras se denominan fósiles.

Existen y he visto muchísimos tipos de fósiles tales como almejas, maderas, frutas, insectos, resinas, dientes de tiburón, colmillos de mamut, dientes de dinosaurios, algas, etc. que pueden servir como material para fabricar una joya.

Muchas veces en joyería se utilizan fósiles sin saber que lo son, tal es el caso del ámbar que es una resina fosilizada, el azabache que es lignito o los estromatolitos que son algas fosilizadas.

A continuación muestro una variedad de fósiles que pueden llegar a ser usados para la fabricación de una joya:

En la fotografía anterior se pueden ver tres ámbares con diferentes intrusiones, cada una de las piezas tiene su bellexa particular, por lo que el diseñador deberá trabajar un buen rato para lograr algo creativo sin que pierdan protagonismo las mismas. La pieza del medio tiene burbujas de aire y unos gusanos atrapados, esta pieza parece naturalmente un paisaje marino.

En la fotografía anterior se pueden observar dos tipos de estromatolitos.

En la fotografía anterior se pueden ver diferentes tipos de amonites.

 

En la fotografía anterior se pueden ver varias piezas de azabache.

En la fotografía anterior se puede observar, arriba una almeja, al medio un insecto fosilizado y a la derecha un trozo de ostra, en la parte de abajo se presentan varios dientes de tiburón en perfecto estado de conservación y en espera de un buen diseño para lucirse.

 
El diseño de la joya será tal, que solo sirva de marco y destaque el fósil, puede ser desde algo muy simple hasta algo elaborado, pero en todos los casos debe resaltar y darle protagonismo al fósil, por lo que recomiendo hacer un diseño a partir del fósil.

Para ilustrar este concepto muestro una joya que hice a partir de un amonite piritizado y cortado al medio, cuando tuve la pieza en mis manos vi que era tan bella y estaba tan bien conservada, que pensé que tenía que hacer honor a los millones de años de historia de su existencia, y en ese momento  fue que decidí hacer un dije recreando a un nautilus, un cefalópodo del que aún sobreviven algunas especies.

A partir de esta idea, primero estudié en los libros de biología cómo eran estos animales, como son los que sobrevivieron e hice varios dibujos, hasta que logré plasmar la idea en una joya que representa con sentido artístico al animal, como se puede observar de la cabeza le salen los tentáculos y en la misma se encuentra un ojo materializado por un zirconio engarzado en un tubo montado sobre una chapa embutida.

Como el fósil era un poco grueso tuve que rebajar la parte mas gruesa desgastando cuidadosamente con un torno de mano y un disco de corte de diamante adecuado, tuve que quitar 7mm. Luego para nivelar el espesor apliqué masilla para artesanos, dejé fraguar y tallé bien la forma rectificando algunos defectos que tenía en los bordes, especialmente en el lugar donde estaba la cabeza del animal que le dí una forma recta (es un defecto normal en los amonites, como puede verse en la fotografía de arriba, donde se muestran algunos sin engarzar).

El dije fue construido íntegramente en plata y básicamente es una cazuela con la forma del fósil bordeada por un ribete labrado a mano, las estrías del ojo se hicieron con un buril y la textura de la superficie de la cabeza con un torno de mano y una fresa muy pequeña de 0,5mm.

Un consejo que puedo darles es, que al momento de trabajar un fósil lo hagan con mucho cuidado ya que son frágiles y un mal manejo puede destruir millones de años de historia, piensen en todo el trabajo que le llevó a la naturaleza lograr que Uds. tengan esa pieza en sus manos.

Por otra parte hay que informarse muy bien del material que constituye el fósil para evitar dañarlo en el manejo, por ejemplo jamás un ámbar se puede pulir como una piedra normal en un motor porque el calor  de la fricción lo destruye, para pulirlo hay que usar un paño suave y mucha paciencia.

PRODUCTOS DEL MAR EN LA JOYERÍA

El mar a lo largo de la historia de la humanidad y en la mayoría de las culturas, a lo largo de siglos, ha brindado muchos productos para la fabricación de objetos y ornamentos de uso personal, dando lugar a bellas joyas, fruto de la creatividad para aprovechar sus atributos naturales.

En realidad los productos ya son bellos naturalmente, sin embargo cuando salen del mar no tienen un buen aspecto, pues su belleza está oculta debajo de capas de salitre, algas e impurezas, por lo tanto requieren primero una buena limpieza, luego un desbaste para llegar al interior y después el pulido es el que logra finalmente poner al descubierto su belleza. A partir de este tratamiento previo se puede considerar que tenemos la materia prima para una joya, y el único combustible para lograrla ahora será nuestra imaginación artística.

A continuación resumo en una apretada síntesis cuáles son los productos del mar de uso común en joyería:

CARACOLES:

Los caracoles pueden ser usados enteros o en piezas cortadas y pulidas. No trataré aquí el uso de los mismos pues ya escribí un post dedicado exclusivamente a ellos. El lector interesado puede ver el enlace El uso de caracoles marinos en la joyería. A continuación se reproducen cuatro obras realizadas con cortes de caracoles:

CORAL ROJO:

El coral rojo fue a lo largo de siglos y hasta la actualidad preciado por su color rojo intenso, considerado símbolo de poder en muchas culturas. Se trabaja como cualquier gema.

En el dije que se muestra a continuación los techos del castillo fueron construidos en coral rojo:

CORAL NEGRO:

El coral negro conocido desde muy antiguo, se presenta en ramas que se pueden utilizar de múltiples formas. Si se desea dar forma a un coral negro se lo puede sumergir en agua caliente o moldear con el vapor de una pava.

A continuación se ve un broche hecho en coral negro, que representa un cisne que se está expulgando las plumas, completan el diseño otros dos productos de mar: una perla cultivada y un trozo de nácar haliotis:

PERLAS:

Es uno de los productos del mar más cotizados en la joyería y es producido por cierto tipo de ostras, su valor depende del color, de la forma y de acuerdo al lugar en el que se encuentren en el molusco, mientras mas rara será mas costosa.

Las perlas son producidas naturalmente como un mecanismo de defensa del animal, cuando un cuerpo extraño, ya sea un grano de arena o un parásito ingresa y se fija dentro de la ostra, en ese caso el animal segrega una sustancia calcárea (el nácar) y lo recubre con capas sucesivas produciendo la iridiscencia característica.

Las perlas se pueden encontrar en distintos lugares de la ostra, pueden estar pegadas a las paredes internas de la concha de la ostra, se llaman perlas de nácar, y las que están libres en el interior del cuerpo llamadas perlas finas o perlas propiamente dichas, que son las más valiosas.

En la fotografía siguiente se muestra un colgante cuyo cuerpo superior tiene perlas de nácar, que fueron cortadas de la concha de la ostra con un sentido artístico, ya que naturalmente presentaban un paisaje:

En la actualidad existen otras perlas llamadas perla de cultivo, que  se producen naturalmente pero las impurezas se introducen artificialmente, es decir se siembra a propósito la impureza para que el animal produzca la perla.

En la fotografía siguiente se observa una perla irregular, que acompaña a un esmaltado raku:

Existen también perlas falsas producidas sintéticamente de apariencia similar a las verdaderas, sin embargo son fácilmente reconocibles debido a su perfección, las verdaderas no son perfectas y cuando se ponen entre los dientes se notan las imperfecciones que le dan una aspereza característica. Sin embargo si se quiere tener certeza de la calidad de una perla hay que acudir a los rayos X.



MADREPERLA:

La concha que recubre el cuerpo de la ostra se llama madreperla, es una superficie de naturaleza caliza llamada nácar y es segregada por el manto del animal, que se encuentra cerca del pie. Los trozos mas gruesos tienen una iridiscencia muy bella.

En el colgante siguiente se observan dos trozos de madreperla acompañando a dos perlas cultivadas:

NÁCAR BLANCO:

Es la sustancia dura y blanca de la que está formada la madreperla, que se forma en el interior de las conchas de algunos moluscos y que produce diversos tonos de colores iridiscentes por descomposición de la luz. De las partes planas de la madreperla se obtienen placas que se pueden utilizar en joyería para producir bellos ornamentos.

A continuación se muestra una pulsera con nácar blanco:

A continuación se observa una pulsera con tonos rosados:

NÁCAR HALIOTIS:

El nácar haliotis es producto del avalón, un molusco que produce un nácar con muchos colores, como se puede apreciar en las obras de las fotografías siguientes.

A continuación se puede ver una pulsera asimétrica con una mariposa cuyas alas fueron hechas con nácar haliotis:

A continuación se ve un anillo que combina onix negro, ágata roja y nácar haliotis:

TÉCNICA DE CALADO EN JOYERÍA

Dije calado en plata montado sobre una placa
de quebracho colorado con pernos invisibles

La técnica de calado permite producir bellas piezas reproduciendo dibujos sobre una chapa de metal o en una placa de otro material.

En la fotografía de la izquierda se puede ver un dije hecho en una chapa de plata con el diseño de una planta, luego se montó el calado sobre una placa de quebracho fijándola con pernos invisibles soldados en la parte de atrás de la chapa.

  

Se pueden calar muchos tipos de materiales tales como madera, hueso, metal etc. En la fotografía de la derecha se ve un calado realizado sobre una madera.

En la fotografía siguiente se observa un dije calado en hueso y posteriormente tallado, engarzado en un collar con diseño asimétrico, el diseño representa un viejo vitral de una iglesia:

Para la técnica de calado es necesario disponer de un equipo compuesto por una segueta (sierra para joyería), hojas de sierra 0,3-0,5, un taladro de joyero con una mecha de 0,5-0,8mm, una morsa de ajuste y una maderita dura con una V.

 

En la fotografía anterior se puede ver de derecha a izquierda la morsa de ajuste y la maderita en V, dos taladros de joyero con una mecha de 0,8 y 0,5mm respectivamente, hojas de sierra 0,3-0,5mm y la segueta.

Es importante saber que la hoja de sierra de la segueta se usa con los dientes al revés de una sierra normal, es decir con los dientes apuntando al mango de la segueta y hacia afuera, ya que la fuerza se hace en sentido vertical.

En la fotografía siguiente se ve como se hace el calado, con una mano se sostiene la chapa con el diseño en papel  pegado y con la otra se acciona la segueta con movimientos de arriba hacia abajo:

 

DISEÑO:

Hay que tener un cuidado especial en el diseño pues el calado tiene una dificultad técnica de taller, y es que cualquier calado debilita el material, por lo que hay que ser cuidadoso de no hacer cortes periféricos a un dibujo sin prever un ancho de pared suficiente que permita el sustento sin perder la esencia. Por otra parte se deben prever puntas que puedan enganchar la ropa.

En la fotografía siguiente se puede apreciar el proceso, se dibuja primero en un papel lo que se quiere representar, luego se simplifica hasta dejar únicamente las líneas esenciales que conserven el diseño original tratando de resolver los planos de debilidad y finalmente se lleva al proceso de calado, en este caso se hizo sobre una placa de hueso:

En el dije siguiente se ve un calado en plata con tallado posterior, que representa un paisaje marino con una sirena, montado sobre un corte de ágata:



PROCEDIMIENTO:

1. Dibujar el diseño en tamaño real sobre un papel.
    
2. Pegar con cola de carpintero el diseño de papel a la chapa.
    
3. Ubicar la maderita con la morsa en el borde de la mesa.
    
4. Primero perforar la chapa o la pieza con el taladro de mano.
    
5. Aflojar el tornillo de la segueta e introducir la hoja por el agujero.
    
6. Aserrar en sentido vertical lubricando con cera en pasta.
    
7. Terminado el calado aflojar el tornillo de la segueta y liberar la hoja de sierra.
    
8. Finalmente pasar una lija al agua muy finita para eliminar las rebabas y pulir la pieza con paño.

TEXTURAS DE TERMINACIÓN EN LAS JOYAS

Las texturas dan terminación y belleza a las joyas,  hay muchísimas texturas ya que no hay límites para la creación de las mismas, cada artista inventa la textura de acuerdo a la manera que pretenda realzar su diseño.

Lo que debe quedar claro es que las texturas deben ser parte del diseño de la pieza, es decir desde un principio deben estar pensadas, y jamás utilizarlas para reparar errores, pues por mas que queden bien ya no será el diseño creado en la mente de su autor, será otra cosa que probablemente no conforme al artista.

Cuando algo me sale mal en el taller intento repararlo pero jamás modifico el diseño, si no tiene solución comienzo de nuevo el trabajo y luego reciclo lo que se pueda de los materiales para el mismo trabajo o para otro.

Leyendo el libro Acabados decorativos en joyería de Jinks McGrath  aprendí muchísimas texturas que no conocía, en realidad es un gran muestrario de posibilidades, el lector interesado podrá ampliar este artículo en dicha bibliografía.

A modo de ilustración, a continuación se exponen algunas de las técnicas de texturado:

MARTILLADO:

Se realiza simplemente martillando el metal con la punta de un martillo, según sea la punta del martillo se generará una textura determinada. A medida que se martilla el metal se endurece por lo que de vez en cuando hay que recocer el metal antes de seguir martillando.

Para hacer esta tarea se debe colocar debajo del metal algo duro como una planchuela de hierro y una zuela.

Para el dije de la fotografía siguiente se procedió a martillar la chapa con un martillo chiquito de punta cuadrada, para lograr la textura de fondo antes de la confección de la pieza:



Esta pieza tiene varias técnicas: martillado, ribete moteado rodeando a las perlas naturales,
 apliques fundidos en los bordes, patinado  y labrado en el tubo para la cadena

ESTAMPADO:

Se utilizan punzones o elementos que pueden marcar al metal al ser golpeados por un martillo o sometidos a algún tipo de presión como por ejemplo una morsa. Los punzones pueden tener infinitos motivos y la elección dependerá exclusivamente del diseño. Puede tener puntos, trazos, figuras, etc.  En el dije siguiente se puede ver un estampado de fondo hecho con un punzón chato para resaltar el trozo de caracol:

CINCELADO:

El cincelado es una técnica que consiste en transformar una lámina de metal en un bajorrelieve dando golpes de martillo sobre un punzón llamado cincel.

El cincelado es una técnica tan importante que ya dediqué un post exclusivo a ella. A continuación se muestran chapas ya cinceladas en espera de ser incorporadas a alguna joya:

APLIQUES SOLDADOS:

En la fotografía siguiente se pueden observar apliques irregulares de trozos de chapa rellenando los filetes que también son apliques, a efectos de crear una textura decorativa. También se observa que los bordes del brazalete tienen apliques que simulan un fundido irregular a modo de terminación evitando que la chapa tenga el filo vivo:

Esta pieza tiene varias técnicas de acabado, textura por apliques soldados,
estampado con punzón de punta cilíndrica fina, granulado y patinado

GRANULADO:

Consiste en incorporar pequeños gránulos de metal a una superficie, estos granos se obtienen fundiendo trozos de metal sobre la piedra de soldar con el soplete. Debido a la tensión superficial de los líquidos las gotas tienden a ser esféricas tratando de mantener en equilibrio el menor estado de tensión.

En la fotografía siguiente se ven tres granos esféricos de distintos tamaños colocados a la izquierda del dije y tres en la parte inferior como decoración, por otra parte tiene un moteado que rodea al spóndylus rojo:

Acabado con apliques, granite, granulado y ribete moteado

También se pueden obtener gránulos irregulares como la superficie del anillo siguiente, para lograrlos se hacen los gránulos normalmente y se aplastan con una piedra refractaria rápidamente antes de que solidifiquen:

LABRADO:

El labrado es una de las mas bellas terminaciones que se pueden dar a una joya, se puede hacer de dos maneras:

  Burilado: esta terminación se hace con buriles como los que se muestran a la izquierda en la fotografía siguiente:

Es importante mantener los buriles bien afilados para lo cual se pueden afilar con una rueda de carborundo, pero deben ser terminados en una piedra de Arkansas. En la fotografía anterior se ven al medio la rueda de carborundo y a la derecha una legítima piedra de Arkansas.

En la fotografía siguiente se ve una pulsera con forma de pluma que fue burilada a mano, para dar la textura de pluma:


Técnicas usadas: labrado con buril en la pluma, labrado
con torno de mano en la filigrana que rodea la turquesa y patinado

Con torno de mano: Se puede usar un torno de mano para producir hermosas texturas, hay muchísimas puntas diamantadas que pueden ser usadas a tal fin. En la fotografía siguiente se muestra una pieza que fue terminada con torno haciendo estrías en una sola dirección a la derecha arriba y a la izquierda abajo:



Técnicas usadas: acabado liso, labrado con torno de mano, granulado y ribeteado moteado

RIBETEADO Y MOTEADO:

El moteado consiste en producir alteraciones en un alambre o una chapa de modo que queden motas, es decir unas pequeñas interrupciones en el brillo de la luz a modo de pequeñas manchas redondas que dan un bello efecto a las superficies brillosas.

Para su logro se debe pulir bien la superficie a motear y luego con una fresa diamantada redonda y el torno de mano se hacen las motas en los lugares previstos en el diseño.

Es común hacer ribetes alrededor de las piedras engastadas ya sean lisos o moteados a efectos de realzar la piedra, el mismo se puede hacer con un alambre liso o una media caña soldada alrededor del engaste.

En la pieza de la fotografía anterior se puede ver un ribete moteado que permite realzar la capillita de hueso.


TERMINACIÓN LISA, SATINADA, MATE Y GRANITE:

La terminación lisa se hace con pulido utilizando pastas, cepillos y paños a altas revoluciones, el objetivo del acabado liso es lograr una superficie brillosa, sin embargo hay veces que se desea lograr superficies satinadas que reflejen la luz muy levemente con lo que luego del pulido se pasa una piedra muy suave o frotando con una lija de agua. Pero a veces no se necesita brillo en ese caso se realiza un acabado mate para ello se puede hacer un arenado, protegiendo las zonas que se quieren conservar y dejando caer un chorro de arena desde una altura de 2 metros o usando un soplete de arena.

Otras veces hace falta dar apariencia de piedra a un metal por lo que se recurre a un granite realizado con un torno de mano y una punta adecuada.

En el broche siguiente se puede observar que en parte tiene un acabado brilloso y la chapa de abajo tiene una superficie granite:



Este trabajo es muy complejo, tiene apliques, una terminación granite y patinado

GRABADO AL ÁCIDO:

El grabado al ácido es una técnica orientada a crear motivos sobre una superficie metálica, para ello se debe pintar con cera la pieza y luego con un escalpelo o un punzón dibujar liberando la superficie que atacará el ácido.

Para el oro se usa una solución de 10 partes de agua por 1 de agua regia (1 de ácido nítrico y 3 de ácido clorídrico), en recipiente de vidrio.

Para el cobre, plata y alpaca:   se usa una solución de 3 partes de agua por 1 de ácido nítrico en recipiente de vidrio.

Luego del baño de ácido se debe lavar bien la pieza con agua, luego se quita la cera con aguarrás o alcohol y finalmente con detergente agua caliente y un cepillo de dientes.


PATINADO:

El patinado es una técnica orientada a dar una apariencia de envejecido a una pieza, se realiza por medio de un tratamiento químico que según sea el metal será la sustancia de ataque, pueden ser ácidos o sales.

Las pátinas pueden dar diferentes colores de acuerdo a la oxidación producida. Una pátina que uso habitualmente con la plata es un baño de sulfato de potasio que produce un color negro.

El anillo granulado presentado arriba fue patinado con sulfato de potasio. El brazalete texturado presentado en la primera fotografía fue ennegrecido con esta técnica.

Para esta técnica se debe usar un recipiente pirex ya que para lograr un ataque óptimo debe llevarse a hervor la solución, apagar el fuego y depositar la pieza en el baño.

Para conservar el sulfato de potasio debe guardarse la sal en un recipiente hermético y privado de la luz, por lo que es conveniente envolver el recipiente con un papel oscuro.


RETICULADO:

El reticulado es una textura con relieves obtenidos por exceso de calor sobre la plata. Cuando una chapa es recocida varias veces y finalmente sometida a un sobrecalentamiento con el soplete, se producen ondulaciones como pliegues en la misma como las que se pueden apreciar en la chapa que sirvió de base para el anillo que se presenta en la fotografía siguiente:



La técnica principal de este trabajo es el reticulado dado a la chapa de plata,
a la que luego se hicieron apliques en plata, cobre y bronce

ESMALTADO:

Esta técnica no solo da belleza sino que aporta color en la terminación de los metales, no describiré la técnica pues el tema es tan extenso que le he dedicado una sección exclusiva en este blog.

En la fotografía siguiente se ve un broche que representa un patín de hielo con la técnica cloisonne con diferentes tonos de esmalte en degrade:

INCRUSTACIÓN:

Consiste en obtener una superficie de un metal que sirve de base con otro contrastante metido adentro, hay varias técnicas, una consiste en hacer un surco en el metal base y luego introducir un alambre de otro metal contrastante y luego martillar de modo que el alambre quede embutido por deformación del material. Otra técnica consiste en hacer el mismo procedimiento anterior pero en vez de martillar se aplica el soplete de modo que se produzca un fundido.

BIBLIOGRAFÍA:

JINKS Mc GRATH. 2007. Acabados decorativos en joyería. Editorial PROMOPRESS (Barcelona)