PLIQUE-A-JOUR CON SOPLETE

Dije de plata con esmalte plique-a-jour

 El plique-a-jour es una técnica de esmaltado que permite colocar el esmalte en las celdas de una malla de alambres o en una chapa calada dando la apariencia de vidriera, es decir una transparencia que deja pasar la luz. El término plique-a-jour se refiere precisamente a ello luz del día  Algo asi como un pequeño vitreaux.





Considero que es posiblemente la técnica de esmaltado mas difícil, o por lo menos según mi expreriencia como orfebre la que mas me costó dominar, pero todo lo que cuesta tiene un sabor especial, con esta técnica se logran piezas bellas.

Una dificultad adiconal que tuve que vencer para lograr las piezas que aquí expongo, es que las cocción del vitral fue hecha con soplete y no con horno que facilita un poco la tarea.

El problema es que el esmalte queda sostenido sólo desde la periferia y eso es lo que le da la apariencia de pequeño vitral y a diferencia de las otras técnicas no tiene un piso donde apoyarse, por lo que el secreto está en recurrir a la tensión superficial del espeso líquido que contiene el esmalte.

Hice muchas pruebas previas antes de poder elaborar las joyas que aqui se muestran.

A continuación describo el proceso según mi experiencia sobre esta técnica con soplete:

1. Trabajar exclusivamente con esmaltes transparentes importados especialmente franceses.
2. Armar la malla de alambres o la rejilla de chapa calada con agujeros no mayores a 1 cm de distancia en el diámetro menor.
3. Limpiar muy bien las caras internas del la malla o la rejilla.
4. Utilizar una mica debajo de la pieza como soporte del esmalte haciendo de piso y colocarla sobre la jaula de alambre.
5. Aplicar una primera capa de esmalte como si se tratara de un cloisonne.
6. Comenzar a aplicar el sopleteado desde arriba haciendo círculos hasta que el mismo alcance un color rojo vivo brillante y allí retirar el soplete, pero jamás enfocar en un punto fijo de la pieza ya que se quemará el esmalte.
7. Después de la cocción, hacer la limpieza necesaria y pasar la piedra bajo el agua para nivelar el esmalte
8. Agregar mas esmalte si se desea mayor grosor del esmalte, volver a cocinar y volver a limpiar.
9. Al final dar un sopleteado de la pieza sin la mica y desde abajo a efectos de que tome brillo.

En la fotografía siguiente se ve como se coloca la estructura de alambre a esmaltar sobre la mica y la rejilla antes de colocar el esmalte y comenzar la cocción del esmalte:

En la fotografía siguiente se muestra una obra que tiene una dificultad adicional: tonos en degrade y mezcla de colores en una misma celda

Para su realización llené las celdas de la malla con un esmalte transparente que sirvió de piso y en una segunda cocción apliqué  los colores con las técnicas de difuminado como si de un cloisonne se tratara:

 Mis consejos para aquel que desee iniciarse en esta apasionante técnica de esmaltado plique-a-jour son: que se arme de paciencia y que comience probando tratar de llenar un aro de diámetro chico a efectos de adquirir destreza, y luego ir creciendo en dificultades hasta obtener la experiencia necesaria del ojo para detectar el color del rojo vivo y poder saber cual es el preciso momento de retirar el soplete. Otra cosa es que el calor lo haga muy progresivo, aumentando de a poco el calor pues de lo contrario saltará por la fuerza del soplete y en ningún momento debe dejar de calentar pues se produciran tensiones y luego se partirá el esmalte. Por último no sobrecaliente ya que la tensión superficial del esmalte no aguantará y se hará una bolita cayendo al piso con lo que habrá que comenzar de nuevo y será una frustración. Mis últimas palabras son Mucha Suerte.

EL USO DE CARACOLES MARINOS EN LA JOYERÍA



Dije en plata con spondylus y detalle de nácar

Desde muy antiguo, las personas utilizaron productos del mar para construir accesorios para lucir y adornar sus figuras.

Collares de caracoles han existido siempre, hasta el punto de que en una canción folklórica argentina es mencionado un regalo de collar de caracolas. Generalmente son enhebrados rústicamente enteros, por lo que suelen usarse piezas chicas a tal fin.

Ahora nos cabe una pregunta ¿Se pueden hacer joyas finas con caracoles?, la respuesta es afirmativa, el problema como siempre es de diseño.

Lo primero que se debe tener en cuenta cuando se deciden usar caracoles es que la belleza es invisible a los ojos, es decir que cuando encontramos un caracol en la playa, a simple vista no muestra belleza que justifique su inclusión en una joya. Esto implica que hay que descubrir la belleza oculta tras de esa aparente rusticidad.

Un caracol recién recogido sin un proceso de limpieza y posterior pulido no nos dice nada, sin embargo luego descubriremos que existe una belleza interior dada por el nácar y otra exterior aportada por lo colores del caparazón como puede apreciarse en la fotografía de la derecha donde se expone un spondylus rojo.

Curiosamente ya los Incas habían descubierto la belleza del spondylus y era usado como moneda de intercambio, y un material muy apreciado para incorporar en los atuendos de las altas jerarquías.

El dije de la fotografía de arriba tiene un trozo de spóndylus engastado en un diseño moderno de plata y completa la composición un detalle de nácar.

El nácar es producto de las caras internas del caracol marino, también esta oculto, si no se corta el caracol el mismo no aparece. Es tan importante esta parte del caracol que merece destinar un post especialmente para hablar del mismo cosa que haré en otra oportunidad.  

Aquí muestro algunos ejemplos de como se pueden utilizar estas piezas para fabricar una joya fina:

Cortes de caracoles:

Un uso que se se puede dar, es cortar un caracol en forma vertical, transversal o al sesgo, con una piedra muy fina a altas revoluciones (6.000 a 8.000) y con mucha paciencia. Esto descubre en cualquier caracol su estructura interna que luego de un breve alisado y un buen pulido, aparece un espectáculo único.

Diferentes cortes pueden ofrecer piezas de muy variadas formas que luego el buen gusto y la creatividad del diseñador serán capaces de producir una pieza única y bella.

En la fotografía de la izquierda se muestran diferentes cortes obtenidos a partir de los caracoles que se encuentran en la parte superior derecha.

En la fotografía siguiente muestro un dije que realicé aplicando estos cortes. La composición esta realizada con cortes de dos caracoles diferentes con dos cortes muy distintos.  Luego reconstruí en chapa fina de 0,40 mm las partes del caracol que se habían quitado y este esqueleto permitió integrar nuevamente el caracol en sus partes, sin duda la persona avezada en pintura moderna se dará cuenta que lo que hice es simplemente trasladar el conocimiento de la pintura a la joya: 

 

Superficies planas o curvas externas e internas de caracoles:


También se puede dar utilidad a los trozos de caracoles encontrados que se rompieron con el golpe de las olas, o sobrantes de cortes anteriores, o bien cortados a propósito con el fin de lograr una pieza con la superficie de la cara interna o externa de los mismos.

La superficie exterior de algunos caracoles es muy bella como se ve en la fotografía siguiente, la misma aparece después de una buena limpieza en la que removemos la superficie y un posterior pulido que le da el brillo y realza los colores. Está en el diseñador saber aprovechar los colores y las texturas que la naturaleza brinda para crear una  fina joya:



Arriba a la izquierda 3 piezas de spondylus nranja,
abajo 3 piezas violetas, a la derecha 4 piezas rojas
al medio entre los rojos y los violetas un spondylus arco iris

La parte exterior del spondylus es muy atractiva para el diseño de joyas. Hay spondylus de muy variados colores como se ve en la fotografía de la derecha.

Básicamene hay tres colores: rojo, naranja y violeta. Pero también existen combinaciones con amarillo, marrón y violeta llamado arco iris por la variedad de colores, como la pieza que se se ve entre los morados y los rojos. El color mas caro es el rojo pero el valor de la joya depende del diseño mas que del material como ya lo dije en otros post.

Otras veces son de interés las partes internas del caracol como la que se utilizó en el dije siguiente. Para el diseño se utilizó la parte interna de la boca del caracol, y a partir de dicha pieza se hizo una estructura reticulada con alambres y chapa texturada que dan soporte a la pieza:

En el dije siguiente se ve una lámina interna a la que se ha retirado completamente la cobertura con el objeto de usar la parte convexa del caracol como cuerpo del dije, el cual está enmarcado en plata con un diseño muy moderno, tiene una mano que sostiene una rosa de francia que sirve como decoración:

 

Trozos con volumen de caracoles:


A veces se utilizan los caracoles enteros ya sea para colocarlos en un dije, un anillo o algún brazalete. En este caso el requisito que debe cumplir el caracol es que sea pequeño como los que se ven en la fotografía siguiente:

Otras veces se corta un trozo con volumen para engarzar como el dije que se ve en la fotografía siguiente:

El trozo cortado es el centro de un caracol como el que se ve en la fotografía de la derecha. En estos casos es conveniente rellenar la parte posterior del trozo cortado con masilla para artesanos de dos componentes para proteger la pieza de su destrucción por manipuleo o por presión involuntaria del poseedor de la joya.

Como conclusión de este artículo podemos decir que los caracoles marinos son un excelente material para crear finísimas y valiosas joyas según el diseño elegido por su creador.





JOYAS CON PUNTAS DE FLECHA

Las puntas de flecha han sido objeto de  colecciones públicas como las que existen en los museos y de coleccionistas privados que pagan fortunas por tenerlas.

Desde muy antiguo el hombre utilizó puntas de flecha como amuletos, entendiendo que era una conexión con la tierra o con el pasado de la humanidad, y así es que hoy muchas personas llevan esos objetos entre sus ropas. En la actualidad es comun ver joyas hechas usando estos objetos y muchísimas personas las tienen en forma permanente en su cuello, en este caso, a la vez que sirve de talismán, se luce como adorno dando un toque de personalidad al poseedor. Hay muchos artistas famosos que lucen collares con puntas de flecha.

Las puntas de flecha se consiguen fácilmente en los negocios de antiguedades o en joyerías a precios muy variados, sin embargo dado que está prohibida la comercialización de objetos de arquelogía, han proliferado las imitaciones que en algunos casos se aproximan bastante a las verdaderas en apariencia, pero que jamás tienen el valor de las realizadas por seres humanos de civilizaciones ya extinguidas.

En la fotografía siguiente se puede ver algunas imitaciones que compré en un negocio de la patagonia argentina, hace unos años cuando pude viajar a visitar los glaciares de mi país (Argentina). A la vista se aprecia una terminación distinta de las auténticas, las imitaciones son mas rústicas, posiblemente se deba a que sus fabricantes originarios tenían otras técnicas producto del saber cultural de siglos.

Hay que conocer mucho de historia y arqueología para distinguir si una punta de flecha es auténtica, ya que al ser un objeto cultural de un determinado grupo étnico tiene particularidades de fabricación de la cultura a la que pertenece, estos detalles no son tenidos en cuenta por los imitadores.

Por lo general estas puntas de flecha se engarzan atando rústicamente en forma de Y, y se coloca una anilla para poder colgarlas de una cadena.

En una oportunidad tuve que hacer una joya con una auténtica punta de flecha de obsidiana negra y cuando vi la belleza de la pieza pensé que tenía que hacerle honor a esos hombres que la tallaron quien sabe cuando. Pensé bastante en un diseño que saliera de lo clásico, es decir un diseño moderno que conservara el espíritu de sus antiguos fabricantes. El resultado se muestra en la fotografía de arriba.

Para el diseño pensé en un conjunto de flechas que fabriqué en plata, que dieron marco para incluir  un ojo de tigre que aporta colorido, sin que pierda protagonismo el objeto principal (la punta de flecha).  A la vez la punta de flecha tiene movilidad gracias a una bisagra entre la misma y el cuerpo superior del dije. Completa el diseño un tubo que sirve para sustentar la joya desde donde arrancan las flechas.

En otra oportunidad me alcanzaron una punta auténtica que su dueña guardaba con mucho afecto, y que no quería la clásica atadura en Y. Tuve que hacer un diseño original para que su dueña pueda lucirla. Esta pieza me dió mucho mas trabajo, pues no tenía brillo y era mas ancha que las tradicionales. Después de llenar varias páginas con dibujos que permitieran agregar belleza a la punta de flecha resultó lo siguiente:

El diseño romantico permitó resaltar el trabajo de la piedra, para lo cual hice una canasta que la envuelve y un tubo con apariencia de avejentado para pasar la cadena.

En general las recomendaciones que puedo darles a aquellos que se inician en este arte de hacer joyas con puntas de flecha son:

• Hagan un diseño que aporte belleza y que conserve el protagonismo de los hombres que dieron lugar a la punta de flecha.
• Cuiden la punta con un capuchón,  ya que son muy delicadas y con cualquier golpecito se rompen.

CRAQUELADOS

El craquelado se produce naturalmente en las superficies pintadas con cierta vejez. Gradualmente con el paso del tiempo aparecen grietas como producto del resecado, que van deteriorando la pintura hasta casos extremos en los que se ve la superficie de base.

Este efecto se puede aprovechar para dar cierta apariencia de viejo a los objetos y belleza a una superficie pintada.

Es una técnica de arte decorativo que tiene cierta complejidad y que al artesano novel le suele ocasionar dolores de cabeza hasta que entiende las reglas que le permiten gobernar el proceso y así poder hacer un diseño con cierta libertad. Personalmente y haciendo uso de mis conocimientos como investigador hice muchos experimentos hasta descubrir como funciona el principio fisicoquímico del craquelado.

El proceso consta de tres capas:

1. Capa base: es la pintura que se da a la superficie y es la que se mostrará cuando la grieta aparezca, generalmente es una pintura acrílica que debe estar bien seca antes de continuar el proceso.
2. Capa móvil:  es una pintura de secado lento que producirá tensiones al secarse y por consiguiente romperá la capa superior de cobertura, generalmente es un barniz, cola vinílica, goma, clara, etc. Tiene la característica de ser de secado lento y quedar transparente al secar de ese modo dejará ver las grietas en la pintura de base, esta pintura es el craquelador propiamente dicho. No debe secar totalmente ya que no craquelará (apenas debe estar oreado para que se pueda aplicar sin riesgo la cobertura).
3. Capa de cobertura: es una pintura de secado rápido, es decir más rápido que la capa móvil, es el color de arriba y es el se romperá formando grietas para dejar ver el color de base.

Entendiendo este principio ahora es fácil craquelar y se pueden lograr efectos interesantes:

Grietas finas: hay que aplicar una capa fina de craquelador y dejar secar mas tiempo

Grietas gruesas: hay que aplicar una capa gruesa de craquelador y dejar secar menos tiempo


Grietas en degradé: colocar el craquelador por capas con 3-4 minutos de separación, así los últimos aplicados serán mas gruesos que los primeros

Grietas con dirección: aplicar piceladas con pincel grueso con un cierto sentido o en varias direcciones

En la fotografía anterior se puede ver: arriba, grietas sobre la pintura base sin aplicar pátina, se trata de un acrílico blanco de base, cola vinílica como craquelador y un barniz transparente acrílico de cobertura. En la muestra del medio se ven grietas en degradé de un fondo azul con cobertura blanca, tanto la base como la cobertura son acrílicos y el craquelador fue boligoma. Por último abajo y a la izquierda se ve el efecto de pinceladas con dirección.
 
 

En la fotografía anterior se puede ver un marco de cuadro decorado con un craquelado que tiene como base una capa dorada obtenida con purpurina (polvo dorado) aplicado con goma laca, como craquelador se usó cola vinílica y como cobertura acrílico marrón oscuro. 

 
Básicamente hay tres situaciones en las que podemos aplicar el craquelado:

1. Pintura de base vista a traves de las grietas de la cobertura: este es el caso mas común, se pinta la base con acrílico (fondo), se deja secar, se aplica el craquelador y se pinta la cobertura (en la fotografía de arriba el craquelado del medio, base acrílico azul y cobertura en acrílico blanco).
2. Lámina envejecida: se pega como decoupage la lámina sobre la base (este será el fondo), se aplica el craquelador y luego un barniz acrílico transparente (cobertura) para que rompa generando grietas invisibles. Finalmente para hacer visibles las grietas se aplica una pátina o betún de judea.


3. Superficie de base envejecida: igual a la anterior, solo que en la base en vez de lámina se pinta con un color de fondo, se craquela y se aplica una pátina, esta técnica es la que se usó en la caja de la fotografía de arriba (base acrílico rojo y pátina dorada).

En la fotografía anterior se ve una lámina envejecida, craquelada. Luego se hicieron visibles las grietas aplicando betún de judea.

Veamos que materiales tenemos para craquelar:

En el  comercio hay dos tipos de productos:

El craquelador de un componente: este es mas apropiado para la situación 1 y básicamente es el craquelador, por lo que si deseamos hacer las situaciones 2 y 3 tendremos que usar un barniz acrílico de secado rápido como cobertura.

El craquelador de dos componentes: este es mas apropiado para las situaciones 2 y 3, básicamente es el craquelador (componente 1 en el paquete suele llamarse Base) que se aplica sobre la lámina o la base ya pintada, y el barniz de cobertura  (componente 2 en el paquete suele mal llamarse Craquelador, pues el verdadero craquelador es la capa de secado lento), por lo que si deseamos hacer la situación 1 tendremos que usar solo el componente 1 y sobre éste la pintura acrílica de cobertura.

Caseramente se puede craquelar usando cola vinílica como craquelador, también funciona muy bien la boligoma que usan los niños para tareas escolares, barniz poliuretano, etc.

Unos consejos para el que comienza a craquelar:

• El proceso de craquelado puede acelerarse secando ya sea el craquelador como la cobertura con un secador de cabello
• El craquelador no debe secarse mucho, solo debe orearse al punto que no se pegue en la yema de los dedos 
• Antes de craquelar probar el proceso en una muestra para ver si el diseño planificado concuerda con lo que saldrá en el taller 

EL RECICLADO EN LA JOYERÍA

Reciclar es recuperar materiales destinados al desperdicio para ser utilizados como materiales en un nuevo producto. Cuando ese nuevo producto es una joya nos preguntamos:

¿Es posible reciclar en joyería?, la respuesta es un contundente SI.

Lo primero que se reciclan son los metales, que pueden ser utilizados como partes de nuevas joyas o fundidos nuevamente, eso en parte es una rutina obligada en virtud del alto costo de los metales preciosos como el oro y la plata. Puede parecer curioso que un joyero que está haciendo un calado con una sierra sobre una placa de oro o de plata, tenga abajo un plástico grande para recoger "el aserrín" producido por el desgaste de la chapa en contacto con la sierra, cosa que en metales mas baratos como la alpaca no ocurre. Todas las partículas recogidas de plata o de oro se juntan al terminar una operación de calado o limado, y al cabo de un tiempo existen varios gramos que se vuelven a fundir para hacer alambres, chapas,etc.

Otras veces se reciclan partes de joyas en desuso y se incorporan a otras, a veces no necesariamente son joyas existentes, sino fragmentos de piezas que salieron mal en el taller y que se guardan pues pueden servir para otro trabajo.

A efectos de ilustrar con un ejemplo concreto el reciclado en joyería, en la fotografía siguiente muestro una pieza que construí con restos de trabajos anteriores, concretamente múltiples recortes de descarte de plata acumulados con el correr del tiempo, un día decidí "hacer limpieza" y se me ocurrió hacer el anillo siguiente:

Para su construcción simplemente fui colocando en la piedra refractaria de soldar, los recortes entre dos alambres mediacaña con algún sentido artístico y luego limé soldadura encima y finalmente apliqué el soplete a toda la tira para integrar los recortes.

El siguiente paso fue eliminar todos los posibles puntos de enganche con la ropa limándolos, para terminar la pieza con un buen pulido, el resultado fue un anillo único y muy bello.

Es normal reciclar piedras, pues son difíciles de conseguir justamente por la rareza, pero puede resultar sorprendente que la imaginación del artista joyero no tenga límites. En cierta oportunidad en casa se rompió un plato muy antiguo, una cerámica que tenía mas de 60 años herencia de mi esposa, el plato ya no servía como utensilio para comer, sin embargo cuando recogí los pedazos en principio para tirarlos a la basura, decubrí que en en un trozo de la guarda del borde se había salvado una pequeña flor, en ese momento se me ocurrió que aquel fragmento podía prolongar la vida de ese plato si se podía aprovechar para hacer una joya, después de unos días de pensar, se me ocurrió hacer el anillo que muestro a continuación:

Para recuperar la rosa recorté la cerámica con el torno de mano y una piedra de corte fina. Pero en esa oportunidad también guardé otro trozo de esa cerámica para hacer en algún momento una gargantilla, ya que la forma circular del plato se adapta perfectamente a tal fin.

Como vemos en joyería se puede reciclar cualquier cosa, solo depende de los límites que la imaginación imponga a la creatividad del joyero.

LOS MATERIALES EN LA JOYERÍA CONTEMPORÁNEA

El campo de la joyería estuvo históricamente dominado por los llamados materiales tradicionales, esto es metales preciosos como oro, plata, platino, piedras preciosas y semipreciosas. Este paradigma dominó la preferencia de los clientes por muchos años. Esto sumado a diseños clásicos produjo un estanco en la producción de joyas, probablemente dado porque quienes consumían este tipo de joyas eran unas pocas personas adineradas.


Dije con forma de pergamino construido en alpaca texturada
y envejecida, con perlas naturales en formación,
madreperla y colmillos de nácar 

 Con el correr de los tiempos, afortunadamente esta situación ha cambiado, hace 20 años atrás quién iba a imaginar que los escaparates de joyerías importantes, iban a exibir no solamente joyas clásicas de oro y brillantes, sino también productos en otros materiales como el acero quirúrgico, el cristal de murano, malaquita, caracoles, nácar, ébano, etc. Sin duda esto habla de un cambio en el gusto de los consumidores. En realidad la mejora económica de las clases medias ha influido ampliando el mercado, para que haya productos con materiales mas baratos pero de excelente manufactura para todos los niveles sociales. Pero no solo eso ocurrió, también los jóvenes impulsaron ese cambio, hoy es muy difícil hacerle lucir a una chica de 15 años un colgante con una clásica medalla de oro, es comun escucharles decir "eso es cosa de viejas". Sin embargo esta preferencia se fue trasladando a las damas y hombres de todas las clases sociales y edades, que hoy lucen todo tipo de accesorios desde aros, pulseras, hebillas, broches y hasta coberturas de pendrives hechas finas joyas.



En realidad las joyas tradicionales eran un poco monótonas, pues el oro amarillo como el sol, los brillantes blancos, las esmeraldas verdes, los rubíes rojos, y un diseño clásico de hojas y motivos religiosos agotaron la paleta. En los años 60 se produjeron cambios sociales, donde las joyas empezaron a cambiar su rol, en vez de ser un símbolo de poder y dinero, pasaron a jugar un papel mas existencialista y tanto ricos como pobres usaban accesorios de todo tipo.



Anillo moderno con forma de cola de pavo real
hecho con materiales tradicionales
en plata con un zafiro y 4 amatistas



Jamás se abandonaron los materiales tradicionales que de por si son bellos pero los diseños se empezaron a modernizar para satisfacer a las exigencias del nuevo público, al punto que hoy existen joyas muy costosas hechas en oro blanco y brillantes con diseños muy audaces.





La época de los hippies con los colores y su integración a la naturaleza, marcaron un cambio en la juventud. Desde entonces empezaron a aparecer joyas alternativas a las clásicas, algunos joyeros continuaron fieles al paradigma clásico, pero muchísimos se actualizaron e incorporaron materiales como el ébano al oro y la plata, generaron nuevos oros como el oro blanco mezclando con paladio, hoy encontramos oros rojos, azules y verdosos dependiendo de la impureza incorporada y ofrecieron a sus clientes la posibilidad de adquirir verdaderas obras de arte que nada tenían para envidiar a las clásicas.

Se puede decir que cambió el paradigma de la joyería, hoy se da mas valor al color, la textura y a la forma de la joya, es decir se prioriza el diseño creativo al valor de los materiales.

La joyería contemporánea está en una constante búsqueda de materiales para dar rienda suelta a la creatividad, sin olvidar los materiales tradicionales que con nuevos diseños y combinaciones con los materiales nuevos producen verdaderas obras de arte, revalorizando el arte individual frente a la producción industrial.

Los materiales utilizados en joyería tienen una condición, deben ser nobles, es decir deben afrontar el paso del tiempo sin deterioro, por lo que si se usa una madera esta no debería ser porosa ni muy blanda, maderas como el ébano que es tan pesada que se hunde en el agua, quebracho, palo santo, palo rosado, etc. son apropiadas por el aporte en color y la dureza.

En la fotografía de la izquierda se ve una pulsera que hice para uso personal que tiene dos piezas talladas de ébano de Ceilán y un granate en uno de los capuchones terminales, una combinación delicada que hace una joya fina.

Podemos hacer una lista de materiales usados en la joyería actual, según su origen sea inorgánico u orgánico:

Origen inorgánico:

Metales: oro, plata, cobre, bronce, alpaca



Anillo moderno con forma de flor, construido
en plata envejecida con granos de cobre y bronce,
ónix negro, ágata roja y naranja  



Gemas: piedras preciosas y semipreciosas, vidrios, cristal de murano

Esmaltes

Origen orgánico:

Maderas: ébano, quebracho, palo santo, palo rosado, coco, etc.

Caracoles marinos, spóndylus

Nácar (madreperla) y perlas

Carey (de tortuga)

Coral rojo y negro

Marfil

Huesos

Astas de buey y otros animales

Cueros

Tagua (semilla considerada el marfil vegetal)
Fibras
 


Dije con forma de capilla, taracea en hueso de vacuno,
maderas palo santo, palo amarillo, quebracho, algarrobo
y ébano, coral rojo y turquesa, montada en palo rosado

 Pero la lista no termina aquí existen joyas realizadas con fósiles, piezas arqueológicas como por ejemplo puntas de flecha,  materiales reciclados como trozos de cerámica, etc. a cuyo tratamiento destinaré otro post.

En realidad cualquier material que soporte el paso del tiempo puede ser utilizado para la fabricación de joyas.
 
El secreto está en el diseño inteligentemente pensado, se pueden combinar metales con madera y piedras, por ejemplo la plata al ser blanca siempre contrasta con materiales oscuros como el ébano, como se muestra en el conjunto de gemelos y prensa corbata de la fotografía siguiente, que hice para uso personal en las presentaciones del Coro de la Universidad del cual participo:
 

 

A continuación muestro un diseño muy moderno de un brazalete hecho en alpaca texturada, con piedras engarzadas:

Como conclusión de este artículo podemos decir que el joyero moderno es un artista que utiliza todas las técnicas clásicas de la orfebrería para realizar joyas que son verdaderamente obras de arte, con una total libertad de diseño y echa mano a cualquier material noble que aguante los embates del tiempo. 

TÉCNICAS DE SEPARACIÓN DE COLORES EN ESMALTADO

Este post tiene por objeto hacer un resumen de las principales técnicas de esmaltado que se practican sobre metales como el cobre, plata, oro y alpaca en la fabricación de joyas de autor. Debo dejar en claro que no son las únicas y que tampoco se usan de manera independiente, sino que en una misma pieza pueden haber varias técnicas. Este artículo puede servir de guía para el que se inicia en el maravilloso mundo del esmaltado.

En principio se puede decir que las técnicas de esmaltado varían en como se aplica el esmalte sobre la superficie del metal y no en el proceso general de esmaltado que es común a todas.

Hay que tener presente cuatro cosas la hora de elegir la técnica para un diseño:

1. La primer característica a definir para un diseño es si se colocará un solo color y si se aplicarán varios colores a la pieza (monocrómico o policrómico).
2. La segunda característica es si los colores serán transparentes u opacos.
3. La tercera característica es si los colores se separan o se funden entre si, es decir si los colores van a estar nítidamente separados o si van a estar mezclados.
4. La última es que tipo de decoración tendrá la cobertura

La forma en que se van a separar los colores define de por sí un grupo de técnicas, es a estas técnicas de separación de esmaltes dedicaré este post.

Existe otro grupo de técnicas mas relacionadas con la pintura en la que es necesario no solo conocer de esmaltes sino también de dibujo y pintura tal es el caso de los camafeos o paisajes pintados, las grisallas, limoges y el grafitado que merecen un artículo especialmente dedicado.

Hay también un grupo de técnicas relacionadas con el arte decorativo destinadas a dar texturas y efectos especiales a la cobertura  tales como el embutido, estarcido con plantillas, paillón, craquelado, incorporación de intrusiones de vidrio, de metal, objetos, filamentos de esmalte, gránulos, astillas, etc.

Por último existen dos técnicas especiales que no se pueden clasificar en grupos, ya que una es una técnica de cocción el antorchado que merece un post especialmente dedicado y  el raku sobre metales al cual le dediqué anteriormente un artículo en este mismo blog.

A continuación se describen las principales técnicas de esmaltado para separar colores.

CLOISONNE:

Consiste en separar los colores por medio de alambres finos, los mismos son adheridos previamente a la superficie a esmaltar por algún método ya sea pegándolos con C.M.C. (carboximetilcelulosa) o soldándolos a la chapa, de modo que queden compartimientos contenedores del esmalte. Esta técnica también se conoce como esmalte de filete.

En la fotografía siguiente se observa un corazón hecho con la técnica de cloisonne donde la separación nítida de colores fue hecha con alambres soldados previamente a la chapa:

En la fotografía también se puede apreciar que algunos compartimentos en su interior contienen colores puros, otros en degrade y distintos efectos decorativos como en el extremo derecho que tiene paillón de plata con un esmalte transparente color ámbar, esto significa que dentro de cada compartimento se puede aplicar otra técnica diferente, resultando un diseño complejo.
 
Existe un falso cloisonne que consiste en contornear el dibujo con esmalte previamente y cocinarlo, luego en una segunda horneada se incorporan los colores, en la fotografía siguiente se puede ver un falso cloisonne que representa una rama con una flor y un pimpollo simulando un vitreaux, para este trabajo se contorneó el dibujo con esmalte negro, se cocinó y luego se agregaron los colores:
 

 
CHAMPLEVE:

En este caso los compartimentos son depresiones realizadas en una chapa gruesa, quedando los compartimentos bien definidos. Para lograr las cavidades se pueden utilizar herramientas de tallado o desbaste, o bien hacer una máscara de brea o tinta con el dibujo y luego someter la pieza a un tratamiento químico con ácidos, después de un tiempo de reposo el ácido actúa eliminando el material de las áreas destinadas a las cavidades.
 
Existe una técnica de falso champlevé que consiste en calar una chapa fina y soldarla sobre otra, de modo que queden las cavidades formadas por superposición. En la fotografía siguiente se observa esta técnica, el dije tiene una placa de alpaca de fondo y una ventana irregular calada y soldada, a través de la misma se observa un cielo con los astros, utilizando esmaltes opacos en degradé:
 

PLIQUE A JOUR:

En esta técnica los compartimentos son simplemente espacios vacíos donde el esmalte se adhiere a la superficie de los alambres resultando un pequeño vitreaux. Considero que esta técnica es una de las más difíciles de lograr ya que el esmalte no tiene otro sustento que la tensión superficial del contacto con el alambre, a diferencia de las anteriores que tienen un piso que lo soporta.

Para esta técnica se construye una malla de alambre con agujeros no mayores a 1cm de distancia entre alambres, y se coloca la estructura sobre una placa de mica que es resistente al calor y que sirve de piso para soportar el esmalte durante la cocción, luego se lleva al horno o se usa la técnica del antorchado que describiré en otro post.

En la fotografía siguiente se puede ver un colgante hecho con esta técnica, es un pequeño vitreaux que deja pasar la luz a través de las alas de la mariposa:

BASSE TAILLE:

Esta técnica es una sofisticación del champlevé y consiste en lograr un tallado o labrado del metal y posterior cobertura con esmaltes transparentes de modo que el tallado quede como si estuviera debajo de un vidrio. En la fotografía siguiente se puede observar un moderno dije que representa a una mariposa en la que a través de sus alas se ve un sol tallado:

ESGRAFIADO:

En esta técnica los colores del esmalte quedan separados simplemente por la no existencia de esmalte, tal es el caso del broche precolombino que presento a continuación, el mismo simula un fragmento de vasija de barro con colores terrosos utilizados por los indígenas de aquella época, completa el diseño una serpiente que contornea el broche, aquí se dejó el cobre en estado virgen y luego se ennegreció con una pátina:

Otra forma de esgrafiar es dar al metal una base de un color y cocinarlo, luego colocar otra capa de esmalte de un color contrastante espolvoreada sobre la base cocida y con un palillo dibujar separando el segundo color de tal modo que se vea el color de la base como delineante. Finalmente se cocina por segunda vez y queda un dibujo plasmado en el metal.